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Photography  ©Jubal Battisti, ©Leidinger Mattias and ©Daavid Visnjic. Special thanks to donaufestival for photographic documentation of Unearth.

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20240422
Christoph Griessner, APA, Salzburger Nachrichten

Van Dinthers "Unearth" als Glanzstück beim Donaufestival

Sich Raum und Zeit nehmen, um ganz tief zu schürfen: Das geschah bei Jefta van Dinthers Performance "Unearth" im Rahmen des Kremser donaufestivals auf eindrucksvolle Weise. Der schwedische Choreograf ließ am Wochenende die Dominikanerkirche zu einem von Bewegung und Klang bevölkerten Ort werden, der ungemein viel Nähe zu ließ und dabei Zuneigung, Vergänglichkeit und Abschied in unterschiedlichsten Konstellationen vor Augen führte.

Zehn Performerinnen und Performer, darunter van Dinther selbst, machten sich bei dieser knapp vierstündigen Dauerperformance das Kirchenschiff zu eigen. Mal in kleinen Gruppen, dann wieder alleine, durchforsteten sie die hier gebotene Weite, um ihre "Ausgrabungen" anzustellen. Denn dazu kam es tatsächlich: Immer wieder wurde mit den Händen und Fingern gebohrt, wurden die Linien entlang der Steinplatten behutsam nachgezogen, als ob sich gleich eine Öffnung auftun würde und man tiefer graben könnte. Aber nicht nur die Architektur, auch die Körper selbst wurden genau untersucht.

Hypnotisch wurde es schließlich durch einen Soundtrack der besonderen Art: Quasi von Beginn an war ein Summen zu hören, das sich zusehends zu einem kanonartigen Chor steigerte. Immer wieder traten einzelne Gesangszeilen deutlicher heraus, die oft von Schmerz und Trauer handelten ("Dear Lord, you took so many of my people"). Währenddessen wurde das im Raum verstreute Publikum umtanzt, umschritten, behutsam einbezogen als Forschungsobjekt. Erlösungsmomente trafen auf Erschöpfung und Niedergeschlagenheit. Und doch hatte "Unearth", das sich nach gut zwei Stunden mit einem zweiten Zyklus erneuerte, stets etwas tröstendes, ja erhebendes.

Ganz nach innen gerichtet schien Sonntagnachmittag das Set von The Necks: Das australische Improvisationstrio, bestehend aus Chris Abrahams am Klavier, Tony Buck an den Drums und Bassist Lloyd Swanton, ließ in der Minoritenkirche einen ständig pulsierenden, aber nur selten ausbrechenden Tanz aus Klängen vernehmen, bei dem die melodischen Fragmente ein ums andere Mal unter den Musikern weitergereicht wurden. Kaum hatte sich das Ohr darauf eingestellt, gab es schon die nächste, wie beiläufig vonstatten gegangene Verschiebung zu vernehmen. Meditation mit musikalischen Akzenten quasi.

Politisch wurde es hingegen bei Mayssa Jallad: Die Sängerin und Architektin hat mit ihrem Album "Marjaa" die Kämpfe im Zuge des libanesischen Bürgerkriegs in Beirut Mitte der 1970er vertont und rückt dabei die Rolle der Gebäude in den Fokus. "Ich habe immer gespürt, dass etwas seltsames, gewalttätiges, unaussprechliches unserer Stadt widerfahren ist", erklärte die 1990 geborene Musikerin. Und ja, diese Dringlichkeit transportierte sich in ihren zwischen Avantgarde und Folk pendelnden Stücken, die den Schrecken in eine beizeiten fragile Form übersetzten.

Den Abschluss des ersten Wochenendes markierte schließlich Anika gemeinsam mit dem Solistenensemble Kaleidoskop. Sie haben sich in den vergangenen Jahren mit dem Album "Desertshore" der legendären deutschen Sängerin Nico auseinandergesetzt. Für die gebürtige Britin, die eigentlich Annika Henderson heißt, ist das bedeutend mehr als "nur" eine musikalische Neuinterpretation. "Nico war in meiner Karriere immer wie ein Geist, der mich begleitet hat", rekapitulierte sie im APA-Gespräch die unzähligen Vergleiche mit der 1988 verstorbenen Künstlerin, die sie auf sich gezogen hat. "Diese Begegnung musste also auf die richtige Art passieren.”

Kurz vor Ausbruch der Coronapandemie begonnen, zog sich das Vorhaben zunächst. "Ich saß beim ersten Lockdown allein in einem kleinen Dorf in Brandenburg und hatte dieses Projekt vor mir. Also dachte: Gut, dann befasse dich jetzt mit diesem Geist, befasse dich mit Nico." Über das Album sei sie in die Psyche der Musikerin, die durch ihre Zusammenarbeit mit Velvet Underground weltweite Bekanntheit erlangte, eingetaucht. "Wenn du die Lyrics hörst, öffnet sich ihre Welt. Und die ist sehr traumatisiert und komplex. So war es möglich, auf ihre Dunkelheit zuzugreifen.”

Stücke wie "The Falconer" oder "Le petit chevalier" erhielten durch das Streicherarrangement eine ganz eigene Färbung, wobei der mitunter finstere Grundtenor in Richtung zarter Melancholie gerückt wurde. Anika wiederum war offenkundig bedacht, mit ihrem Gesang nahe am Original zu bleiben, ohne zur Doppelgängerin zu werden. So entstand ein enigmatischer Vortrag, irgendwo zwischen Leidensfrau und entrückter Künstlerin, der den Zeilen über Verlust und Schmerz äußerst gut zu Gesicht stand, ohne der Verzweiflung das Feld zu überlassen. Mitunter sind es ja die leisen Töne, die uns am intensivsten treffen.

20240415
Margareta Sörenson, Danstidningen

Mörk botgöring i vitt ljus

Genrebeteckningar som performance, interaktivitet, dans eller teater faller i smulor. Klart de kan användas om Unearth, men de säger inte mycket om vad detta verk egentligen ”är”. Jefta van Dinthers senaste verk för tio dansare-sångare-aktörer är snarare en rörlig bönesång om nåd och tacksamhet, om att oförtjänt få finnas till. En konfessionslös tacksägelse men i kristen tradition, kroppsligt gestaltad med sång som lyfter dess tema mot idéer, tro och kanske de anade himlarna ovan oss. Ordet ”unearth” betyder gräva upp ur jorden och kan också användas som metafor, som i att avslöja, att gräva fram ur det dolda.

Verket hade sitt uruppförande i ett f d kapell i Berlin 2022 i en fyra timmar lång loop i dagsljus. Nu visas det i Sverige på Bonniers Konsthall i Stockholm under en helg – ett rum avsett för utställningar, kalt och vitt och med dagsljusinsläpp högt upp under taket. Ett autentiskt kyrkorum klingar säkerligen mer sakralt med verket, än vad en vanlig, jordisk konsthall förmår.

Alla får en sittdyna, och jag tar plats vid en vägg för att få ryggstöd. Snart välsignar jag min plats i ytterkanten, eftersom Unearth pågår överallt i rummet och gärna mellan alla som sitter utspridda lite varsomhelst på det vida golvet. Inledningsvis går de medverkande omkring med en lufsig, ryckigt oskön gång som leder tankarna till funktionshinder, både kroppsliga och intellektuella. Konstigt vinklade nackar, fingrar i munnen. Men snart nog kryper de på alla fyra, ålar sig fram mellan betraktarna, tycks inte se dem, men ser dem ändå.

Bonniers Konsthall är nu ingen kyrka, men visst finns det något strängt i rummets vithet och vår kulturkrets högtidliga förhållningssätt till konst. Allvarsamt följer vi aktörernas turer i rummet, hur de klättrar på varandra, hur de kryper, hur de bildar en grupp, hur de sprids ut. Sången gör det lättare att lokalisera dem – där en röst börjar sjunga uppstår också rörelse och en slags handling. Några av rösterna är fina och starka, kraftfulla stommar i sången som är helt utan ackompanjemang. Lite släpande, dröjande, vädjande, också det en påminnelse om äldre tiders kyrkosång. Det organiska samspelet i ensemblen är imponerande, liksom uthålligheten och hängivenheten.

Bakom sig har Jefta van Dinther stora bildbaserade verk som Plateau Effect eller de två On Earth I’m done, Mountain respektive Ocean. Och de senaste verket, Remachine, var också en stort anlagd bild i dunkel belysning med en vridscen där dansarna förs runt, ibland nära varandra, ibland allt längre ifrån. Men Unearth arbetar inte med stora yttre bilder, utan gräver sig inåt till existensens mörka kontinent. Trots sitt vita ljus i rummet, ännu mörkare. Unearth visas i två loopar om knappt två timmar vardera, där man får komma och gå som man vill. Själva loop-kompositionen understryker de eviga frågornas belägring av människans tanke. Alltid nya, alltid desamma. Monotona omtag in i evigheten.

Referenserna till botgöring och offergång är ihållande, som jag ser det. Rörelserna visar både våld och tvång, samtidigt som där finns stråk av ömhet och närhet. De sjungna texterna (på engelska) är stundtals svåra att uppfatta, men tas om i solon och körer så att de med tiden kristalliseras ut. Mantrat är den plågade frågans: hur kan det komma sig att jag får fortsätta mitt liv, när jag gjort mig så illa förtjänt av det? Hur ska själen kunna vinna frid? Betoningen av skuld känns kristen, medan önskan om inre frid och jämvikt är alla religioners och alla människors, också deras som ingen tro har.

Det är onekligen omtumlande för en sekulär person att befinna sig i ett rum av denna mässa om människans litenhet, låghet och utsatthet. Inte många talar om detta i vår tid, särskilt inte med dans. Jag börjar tänka på Ivo Cramér och hans dansade Fader Vår – en annan tid, förstås, och som jag uppfattar den mer förtröstansfull.

Ser man tillbaka på det dryga dussinet koreografiska verk som van Dinther har skapat sedan 00-talet är det en rad av kropp-bild-rörelse-kompositioner som tycks borra sig neråt-inåt i en motivkrets av existentiella frågeställningar. Ur minnet dyker musikvideon Monument upp, med Robyn och Röyksopp och Jefta van Dinthers koreografi. Människan utslungad i universum med frågan ”When I’m gone” som nav. Armar och ben, hjälplöst små, som sträcker sig ut och bort i en obegripligt evighetsstor rymd.

Unearth präglas av stränghet och generositet sammantvinnade till ett stort och sammanhängande verk. Änglavingar eller tagelskjorta, det är frågan; jag förundras mer än övertygas. Kanske gott så.

20240414
Ashik Zaman, C-Print

Moving clearly beyond the insular and increasingly liaising with contemporary dance and its venues in Stockholm, appears to be the new black for the leading art venues in Stockholm as of late. In recent history such turn dates back already to MDT joining forces with Moderna Museet for Every Ocean Hughes' exhibition Alive Time in 2022, which had the new Curator of International Art Contemporary Art, Hendrik Folkerts, then freshly arrived from the Art Institute of Chicago, busting out a few moves on Skeppsholmen. Unprecedented, given how ghostly reclusive his peers at the museum have been in the last decade, but definitely began to set a new precedent of border-crossing that continues to echo, apparently, in the present. Jefta van Dinther has in receny years been affiliated with Cullberg as an associate choreographer, presenting a couple of works that parts of our team are still raving about whenever dance is concerned in conversation. At hand for his Unearth is a union between Dansens Hus and Bonniers Konsthall, where Dansens Hus concurrently as well has been shouldering with Accelerator for Nikima Jadugajev's ongoing Basically.

This iteration of Unearth at the konsthall has been prefaced as a ”durational” piece of ”near 4h”. One of the things it does for me is wondering about ”the protocol” for when the structural device that is ”long-durational” really is substantiated by necessesity, or marked by routine (pun intended) - or is agenda-based. In the clinical open white space at the konsthall, where a local audience appears not receptive at all to cues of being free to move around, and while is positively transfixated by the piece, also more (un)surprisingly remains immobilized, it does get clear to me that a staging inside a distinct architecture, like a church would have been - more apt. But the question arises on the account of Unearth not being a particularly ambiguous piece; on the contrary, it’s direct; gesturally and through vocal performance lets it gist be known within 15 mins. It’s absolutely beautiful and I love it - instantly. Looking at the cast spread along the walls; wow - all so enigmatic in their mimicry, as a whiff and sensation of an army of Rick Owens-clad ”warriors” finds itself. They all carry a tune, they join in unison harmonies and deliver solo singing streaks that make you wonder where such versatile, gifted performers all were made. Unearth, suffice it to say almost immediately taps into the current collective psyche and zeitgeist of existenstial dread and guilt; seeing what we’re all seeing ”around” us - and with all of us wondering what we are even doing right - or - wrong, in this dystopian time era.

And there’s something wry and honest in recognizing that the individual grind, still as the grounds of society fall apart, needs to happen, and does, in our own bubbles. Unearth is smart that way; it plays on the feeling of a post-apocalyptic, post-war and post-pandemic/epidemic state of things; on a macro level, but manages to personalize the human condition too on a micro lens-level.

One of the performers belts out about a photograph her lover took of her naked in a bed at age 23.

”Do you still have it - and would you use it to hurt me?”

20241114

Lodie Kardouss, Pzazz

Une expérience sombre mais magnifiquement libératrice

‘Unearth’ du chorégraphe suédo-néerlandais Jefta van Dinther est une pièce pour 9 interprètes (dont lui-même) qui se répète en boucle sur une période de 4 heures. La première belge a eu lieu dans l'espace industriel du deuxième étage de la Raffinerie, avec ses murs de briques et sa structure en fer et en fonte, où nous sommes libres d'aller et venir au début de chaque heure. Une création sincère dont l'identité physique et vocale se démarque des propositions artistiques actuelles. 

La nature multi-frontale du spectacle, personnellement découvert au cours de la deuxième heure, ne laisse pas immédiatement deviner le déroulement de la représentation, ni identifier les interprètes mélangés dans le public. Et pourtant, nous avons le sentiment particulier d’être engagés dans un rituel puissant, bien que nous ne suivons pas le cérémonial théâtral habituel des conversations qui s'estompent, du "noir salle", puis du début du spectacle.

Ils se meuvent dans de lourdes bottes aux semelles épaisses et crantées, comme dans les jeux vidéo d'action-aventure, tout en chantant a cappella des lamentos contemporains d'une manière si limpide, presque religieuse, que le résultat est proche d'une expérience mystique. La force du spectacle réside indéniablement dans la remarquable symbiose entre les recherches physiques et vocales, presque antinomiques dans la manière dont elles sont traitées.

Les corps semblent souffrir profondément et les performeurs plongent dans leurs propres entrailles pour tenter d'évacuer cette douleur profonde. Cette expression de la souffrance pourrait déranger si elle était surfaite ou représentée, mais la sincérité avec laquelle ils se livrent nous invite à accueillir cette détresse avec bienveillance, nous donnant le sentiment d'être privilégiés de par la confiance qu'ils nous accordent.

Ce spectacle est conçu pour être apprécié depuis le sol, où les spectateurs sont assis sur des coussins, pour entrer en vibration avec leur reptation animale plutôt que de le regarder depuis des gradins comme un objet théâtral. Nous partageons le même sol, d'où naissent et meurent la multitude de gestes qu'ils accomplissent, comme autant de missions symboliques pour apprivoiser leur fardeau.

Au fur et à mesure de la représentation, la nuit tombe. La transe à l'intérieur du studio est éclairée par des projecteurs situés à l'extérieur du bâtiment. La lumière passe à travers la fenêtre, comme si nous étions exposés au clair de lune plutôt qu'aux lumières de scène. Tout semble complètement réel, au point que nous nous sentons davantage témoins que spectateurs, bien que tout soit artificiel. Le trucage scénique est spectaculaire, avec un équipement réduit à sa plus simple expression !

Le magnifique morphing vocal final et ses multiples transitions intermédiaires aussi proches phonétiquement que possible modifient notre perception, libèrent tout notre potentiel imaginatif et l'immersion dans l'expérience proposée est alors totale.

‘Unearth’ est un paysage de l’humain, de l'introspection et de l'intime, et est porté par des artistes dont la maturité assure un voyage émotionnellement riche. La matière de ce spectacle est très travaillée et assez audacieuse, elle expérimente avec une grande justesse un thème quelque peu tabou, celui de la souffrance.

20241114

Lodie Kardouss, Pzazz

Een donkere maar heerlijk bevrijdende ervaring

Unearth' van de Zweeds-Nederlandse choreograaf Jefta van Dinther is een stuk voor 9 performers (waaronder hijzelf) dat in een loop herhaald wordt over een periode van 4 uur. De Belgische première vond plaats in de industriële ruimte op de tweede verdieping van de Raffinerie, met zijn bakstenen muren en ijzeren en gietijzeren structuur. We zijn vrij om te komen en te gaan aan het begin van elk uur. Een oprechte creatie die zich door zijn fysieke en vocale eigenheid onderscheidt van de huidige artistieke trends.

Het veelkantige karakter van de voorstelling, dat ik zelf ontdekte tijdens het tweede uur, zorgt ervoor dat je niet meteen kunt achterhalen hoe de voorstelling zich zal ontvouwen, Je kan evenmin zomaar de spelers identificeren die zich vermengden met het publiek. En toch hebben we het eigenaardige gevoel betrokken te zijn bij een krachtig ritueel, ook al volgen we niet het gebruikelijke theaterceremonieel van vervagende gesprekken, de 'donkere kamer' en dan het begin van de voorstelling.

Ze bewegen zich voort in zware laarzen met dikke, gekartelde zolen, zoals in action-adventure videogames, terwijl ze a capella hedendaagse klaagzangen zingen op zo'n heldere, bijna religieuze manier dat het resultaat dicht in de buurt komt van een mystieke ervaring. De kracht van de show ligt ontegenzeggelijk in de opmerkelijke symbiose tussen het lichamelijke en het vocale onderzoek, die op een haast bijna tegenstrijdige manier aangepakt worden.

De lichamen lijken diepe pijn te lijden, en de performers duiken in hun eigen ingewanden in een poging deze diepe pijn te evacueren. Deze uiting van lijden zou ergerlijk kunnen zijn als ze overdreven werd of al te gespeeld, maar de oprechtheid waarmee de performers zich overgeven nodigt ons uit om deze ontreddering met welwillendheid te verwelkomen, en geeft ons het gevoel dat we bevoorrecht zijn door het vertrouwen dat ze in ons stellen.

Deze voorstelling is bedacht om gezien te worden vanaf de grond. daar zitten de  toeschouwers op kussens zitten, om zo mee te gaan trillen met hun reptielachtige kruipbeweging in plaats van ernaar te kijken vanaf de tribune als naar een theatraal object. We delen dezelfde vloer, waaruit de veelheid aan gebaren die ze uitvoeren worden geboren en sterven, als zoveel symbolische missies om hun gesel te verlichten.

Naarmate de voorstelling vordert, valt de avond. Schijnwerpers buiten het gebouw gaan de trance in de studio uitlichten. Het licht valt binnen door de ramen, alsof we worden blootgesteld aan maanlicht in plaats van toneellicht. Alles lijkt zo echt dat we ons meer getuigen dan toeschouwers voelen, ook al is alles kunstmatig. De podiumtrucage is spectaculair, maar wel met middelen die tot hun eenvoudigste vorm teruggebracht zijn!

De prachtige laatste vocale morphing, met de vele overgangen die auditief haast onmerkbaar dicht bij elkaar liggen, veranderen onze perceptie. Ze bevrijden al onze verbeeldingskracht zodat we volledig kunnen opgaan in de ervaring.

Unearth' is een landschap van het menselijke, van introspectie en intimiteit, uitgevoerd door artiesten die je door hun rijpheid verzekeren van een emotioneel rijke reis. Het materiaal voor deze show is zeer verfijnd uitgewerkt en vrij gedurfd. Het beproeft op een manier die heel juist aanvoelt een thema dat wat in de taboesfeer hangt: met name leed.

20241016

Nicolas Villodre, cult.news

Les moulins de nos corps

On entre à la Raffinerie bruxelloise comme dans un moulin. On en sort de même, à sa guise, la pièce de Jefta van Dinther, Unearth (2022), juxtaposant quatre boucles sonores et gestuelles de près d’une heure chacune. Le spectacle – si spectacle il y a – se déroule dans une salle qui ne lui était pas vouée. Il peut ainsi durer quatre heures chrono.
 
C’est sur ce plateau, qui n’est pas exactement une scène de théâtre, qu’officient neuf interprètes, hommes et femmes, parmi lesquels le chorégraphe en personne. Le lieu ou non-lieu, le deuxième étage du bâtiment en briques datant du XIXe siècle de la compagnie sucrière Gräffe, est mis à nu. Sa structure métallique et un moteur à hélice ayant fait son temps sont mis en évidence. Le drame – si drame il y a – est mis à plat. Tel le rythme cardiaque fœtal.

Lamentation - C’est sur un lamento psalmodié par une voix féminine caressant un corps allongé et de lents déplacements d’une partie de la troupe le long du mur d’entrée, en quête de sortie ou, du moins, de repères, de soutien, d’équilibre ou d’appuis que tout commence ou presque. Le spectateur, une fois son billet scanné, a eu pour consigne de s’installer si possible au centre de l’espace, de s’asseoir, s’il le désire, sur un ou deux coussins à disposition, de partir, si besoin, mais en silence. Aucune entrée n’étant définitive. Aucune sortie non plus. Le chant est a cappella, quoique  l’endroit paraisse profane et séculier – propice à l’art contemporain. À cette première voix, s’ajouteront d’autres, peu à peu, pour créer une polyphonie.

Quoique les lyrics soient en latin moderne, c.à.d. en anglais, la forme empruntée rappelle la musique ancienne, le chant grégorien, le motet, le gospel. Le ralenti n’a rien de systémique, comme chez une Myriam Gourfink ; il n’est que provisoire. Le mouvement ne tarde pas à faire ficelle, les chanteurs devenant danseurs par intermittence ou par continuité. La chose se précise, autrement dit le sujet. Unearth est à la fois polyphonique, polyrythmique et polysémique. Ce verbe désigne tantôt déterrer (le déterrage étant la chasse au renard), tantôt exhumer, ranimer, ressusciter.

Prophète en son pays - Ce par quoi la pièce prend une connotation christique. Est évoquée selon toute apparence, gestes à l’appui (arpenter, ramper, creuser, manipuler, embrasser, réanimer, ôter le suaire…) l’épisode biblique du matin pascal. La lamentation trouve son expression ou équivalent chorégraphique, dans la tradition de Martha Graham. Il convient de souligner non seulement l’apport du coach vocal, Doreen Kutzke mais la qualité technique des interprètes Juan Pablo Camara, emeka ene, Leah Katz, Gyung Moo Kim, Leah Marojeviç, Dana Pajarillaga, Manon Parent, Roger Sala Reyner, Thomas Zamolo et Jefta van Dinther.
 
La fascination prend d’emblée. Nul ne bronche dans l’assistance, ni les amateurs ni les professionnels – Boris Charmatz et Mette Ingvartsen, entre autres, ont assisté à l’événement. Le minimalisme cistercien joue à plein, si l’on peut dire. Sans tambour ni trompette, sans décor ni lumière artificielle – celle, solaire, à la tombée du jour, produisant son effet –, sans bluff ni esbroufe, Jefta van Dinther se situe dans la lignée d’un Philip Glass ou d’une Meredith Monk. Ce qui n’est pas rien.

20231508

Vesna Mlakar, Tanznetz

Body-space concentration

With Jefta van Dinther, for example, one could become a passive part of an extremely meditative and deeply existential lament of grief in the Freiheitshalle. His "Unearth" plays with trance-like states and tells of dejection, forlornness, grief and death. A cycle lasts about two hours, then the captivating eight performers, including van Dinther himself, begin again with their chanting, their hunched wandering and their animalistic crawling on all fours. The audience sits scattered on cushions. Walking and (re)coming is allowed at any time. In the daylight of the late afternoon, the show starts. At first, you only notice the singing woman bending over another one lying in front of her. Slowly, other figures shuffling shakily along emerge from the fringes of the hall. They too give free rein to their pain vocally in the immediate vicinity of the audience. Every now and then they are overcome by the urge to form a group. Then the pack moves through the room - like cat-like lizards creeping along, with their eyes turned inwards and absent. Their creaturely search for redemption, help and hope, all of which ultimately fails to materialise, ends in the twilight after four hours in a renewed collective recitation of mantras. What is wonderfully beautiful about this is that such an undefinedly bleak and at the same time humanly profound experience - repetitively limited in time and physically and extending to Wagnerian proportions - does not turn into a visitor killer."

Bei Jefta van Dinther konnte man beispielsweise in der Freiheitshalle zum passiven Teil einer extrem meditativen und zutiefst existenziellen Trauerklage werden. Sein „Unearth“ spielt mit tranceartigen Zuständen und erzählt von Niedergedrücktheit, Verlorenheit, Kummer und Tod. Etwa zwei Stunden dauert ein Zyklus, dann beginnen die vereinnahmenden acht Performerinnen und Performer einschließlich van Dinther selbst mit ihren Gesängen, ihrem gekrümmten Umherwandeln und ihrem animalischen Kriechen auf allen Vieren von vorn. Das Publikum sitzt verstreut auf Kissen. Gehen und (Wieder-)Kommen ist jederzeit erlaubt. Im Tageslicht des Spätnachmittags geht es los. Anfangs fällt einem nur die singende Frau auf, die sich über eine andere, vor ihr liegende, beugt. Langsam lösen sich weitere, wackelig dahin schlurfende Gestalten aus dem Randbereich des Saals. Auch sie lassen ihrem Schmerz stimmlich in unmittelbarer Nähe der Zuschauer freien Lauf. Ab und an überkommt sie der Drang, sich in einer Gruppe zusammen zu schließen. Dann zieht die Meute – wie katzengleich dahinschleichende Echsen mit in sich gekehrten, abwesenden Blicken – durch den Raum. Ihre kreatürliche Suche nach Erlösung, Hilfe und Hoffnung, was letztlich alles ausbleibt, endet in der Dämmerung nach vier Stunden in einem erneuten kollektiven Aufsagen von Mantras. Wundersam schön daran ist, dass sich eine derart undefiniert trostlose und zugleich menschlich tiefe Erfahrung – zeitlich wie physisch repetitiv-beschränkt und sich auf Wagner-Ausmaße erstreckend – nicht zum Besucherkiller auswächst.

20230708

Sabine Leucht, Süddeutsche Zeitung

Eine Einladung zum Urgrund der eigenen Traurigkeit hinabzutauchen 

Jefta van Dinthers Performer sind längst schon jenseits von Schmerz und Wut. "Lasst alle Hoffnung fahren!", könnte über dem Eingang zur Freiheitshalle stehen, in der "Unearth" weniger gesehen als erlebt werden will. Zerfetzte Gestalten in schweren Stiefeln spinnen die mitten unter ihnen sitzenden Zuschauer in eine Zeremonie ein, die vor allem auf der akustischen Ebene fasziniert. Vielstimmige Choräle wiederholen und verfremden traurige Textzeilen wie "I'm grinding until I die" oder "Dear lord, you took so many of my people ..." in Endlosschleife. Mit ihren federnden Schritten und hängenden Armen wirken die Gerade-noch- Überlebenden irgendeiner Apokalypse primatenähnlich, wenn sie auf allen Vieren durch den Raum schleichen, raubkatzengleich. In rätselhaften Zwangshandlungen scheinen Ernte- und handwerkliche Tätigkeiten wie Pflücken, Nähen, Plätten überlebt zu haben. Ein besseres Morgen ist nicht in Sicht. Die ein oder andere Leidenspantomime wäre verzichtbar gewesen. Als Einladung an alle, inmitten dieser hypnotischen Performance zum Urgrund der eigenen Traurigkeit hinabzutauchen, ist "Unearth" außergewöhnlich gelungen."

20230710

Javier López Piñón, Theatrekrant 

20230723

María Inés Villasmil, Susy-q 

UN PROFUNDO LAMENTO 

El coreógrafo sueco-holandés Jefta van Dinther es un invitado asiduo del Festival Julidans, de Ámsterdam, y esta vez lo vimos haciendo acto de presencia con su reciente trabajo ‘Unearth’. Esto nos pareció…

En ediciones anteriores de Julidans, el festival estival de Ámsterdam, el joven creador sueco-holandés Jefta Van Dinther ha tenido oportunidad de mostrar algunos de sus trabajos en el marco de uno de los festivales de danza contemporánea más importantes de Holanda y Europa, con propuestas como As it Empties Out, en la edición de 2015, Protagonist, en 2016 o el diptico On Earth I'm Done: Mountains & Islands, en 2022. Muchas de estas creaciones, especialmente las realizadas bajo la amplia sombrilla del Cullberg sueco, han recalado con éxito también en nuestro país, viéndose en casas como el Mercat de les Flors barcelonés, los madrileños Teatros del Canal o el sevillano Teatro Central, espacios donde el creador ya cultiva seguidores.

En la nueva Unheart, Van Dinther hace parte del elenco de los ocho bailarines que toman el espacio de la Galería W139 en medio del bullicio del barrio rojo de Ámsterdam, y por cuatro horas nos invita a presenciar un ritual que toca el lamento. El público tiene libertad de entrar y salir cuando lo desee en este largo periodo de tiempo, sin embargo, la propuesta atrapa de tal manera que se hace difícil alejarse de este mundo creado con voces y cuerpos, acoplados de tal manera que realmente hipnotizan.

van Dinther, que ha creado casi siempre un discurso muy apoyado por elementos escenográficos y luces, por imagen y sonido, reduce notablemente estos recursos en Unearth y aún así, ha mantenido a su audiencias enganchada durante varias horas. La galería W143, la locación seleccionada en esta ocasión, le ofrece un espacio totalmente blanco y diáfano con altos techos, por donde entra la luz natural de esta soleada tarde veraniega en Ámsterdam. Al público se le ofrece un cojín, en caso que desee sentarse, y cuando la audiencia accede al espacio, ya  los bailarines están esparcidos por el blanco lugar, aparentemente, sin ningún tipo de orden. Hay un dueto, ya en desarrollo, que recibe a los espectadores al entrar. Seguidamente, cuerpos moviéndose muy suave y lentamente a medida que cantan canciones pop al unísono pero sin renunciar a las armonías de los tonos vocales individuales, que hacen que la experiencia sea altamente sensorial, llevándote de manera irremediable a un estado de trance.

Cuerpos escudriñados - Los intérpretes parecen escudriñar en sus propios cuerpos y el de los otros. Se agrupan en dúos, tríos o cuartetos, casi siempre buscando apoyarse los unos a los otros. Muchas veces, rozan muy de cerca a los espectadores que observan y se quedan allí, cohabitando a ratos el espacio con ellos. Parecen buscar compañía y apoyo, como borrando esa distancia conceptual que existe entre el que observa y el que es observado, cuestionando quizá, una vez más, el concepto aceptado como espacio escénico.

A medida que pasa el tiempo, los performers van intensificando la entonación de sus voces, al tiempo que sus cuerpos van mostrando signos de cansancio. La propuesta parece ser una libre interpretación del tiempo y el espacio, donde el público forma parte del elemento escénico. Sin embargo, transcurridas dos horas exactas se llega a un calculado clímax y, con precisión de relojería, la estructura comienza de nuevo en una suerte de bucle, que es reconocible sólo si has estado como audiencia desde el inicio.

Las voces de los bailarines actúan como un potente coro, en el que muchas veces una sola voz es líder. Esta repetición, mantenida impecablemente por un grupo de intérpretes que llevan en sus entrañas el lenguaje corporal y la investigación física, conduce al trance que provoca esta propuesta que termina incorporando en su totalidad la voz como elemento fundamental.

Contrario a sus hábitos escénicos, Van Dinther minimiza el “aparatus teatral”. Lejos de diseñar una iluminación hace alianza con la naturaleza y el final de la representación corre en paralelo con el atardecer, usando la paulatina ausencia de luz natural como efecto lumínico y es así como terminamos en el espacio de la W139 totalmente a oscuras. Los bailarines son ahora sombras pero se siguen escuchando sus voces… un canto que nos acerca aún más a un lamento muy profundo, vulnerablemente humano.

20230723

María Inés Villasmil, Susy-q 

In the new Unearth, Van Dinther is part of the cast of eight dancers who take the space of the W139 Gallery in the middle of the bustle of Amsterdam's red light district, and for four hours invites us to witness a ritual that touches on lament. The public is free to enter and leave whenever they wish during this long period of time, however, the work traps in such a way that it becomes difficult to get away from this world created with voices and bodies, coupled in such a way that is really hypnotizing.

20220815

Frank Schmid, RBB Kultur

...Es ist mal wieder ein extremes und exzentrisches Stück von Jefta van Dinther. So etwas wagt sonst niemand. Das ist ja ein Abtauchen in an tiefsten Stellen verborgene Gefühls- und Bewusstseinzustände. So ein unnachgiebiges Schürfen in Trauer-, Leid- und Sehnsuchtserfahrungen. Jede Bewegung ist bis ins kleinste und feinste Detail genau ausgearbeitet...

20220829

Greta Gaberer, Tanznetz

...Das komplette Gegenteil dazu kam von Jefta van Dinther mit seiner neuen Arbeit „Unearth“, die hier im Rahmen von Tanz im August ihre Weltpremiere hatte. Spielstätte war die St. Elisabeth-Kirche mit perfekten akustischen Möglichkeiten für diese Performance. In einem Theater hätte das ganze wohl nicht funktioniert. Einzige Geräuschquelle waren die Stimmen der zehn Tänzer*innen, die über weite Strecken der insgesamt vierstündigen Durational

Performance a capella sangen und sich damit ihre eigene Klangkulisse schufen. Das allein war so schön und vor allem berührend, dass man als Zuschauer*in immer wieder die Augen schließen und dem einfach nur zuhören wollte. Das war auch in Ordnung, denn insgesamt ist es eine langsame, unaufgeregte Arbeit. Es wurde sich sehr vorsichtig und bedacht bewegt, mal einzeln, mal zu zweit und mal fanden sich alle zusammen. Neben der Stimme stand der Körper im Vordergrund. Es gab viele Wiederholungen, die beinahe einen hypnotischen Bann auswirkten. Die Tänzer*innen schienen wie in Trance, vielleicht waren sie das sogar, und manchmal scheinen sie so verletzlich und emotional, dass es schwerfiel, hinzuschauen. „Unearth“ sollte „Zugehörigkeit, Sinn und Sterblichkeit als gesellschaftliche und spirituelle Konstrukte“ herausstellen, und abstrakt gelang das auch. Nach etwa einer Stunde konnte man sich aber denken, wie der restliche Abend verlaufen würde und konnte gehen und vielleicht zu einem späteren Zeitpunkt wiederkommen,

2022.08.22
Susanne Gietl, Kulturschoxx

Tanz im August 2022: Ins Licht

Mit seiner neuesten Performance „Unearth“ gibt Jefta van Dinther ein großes Versprechen. Er möchte Sinn und Sterblichkeit darin verhandeln und wählt dafür einen sakralen Ort, der sich nach und nach zu einer Pilgerstätte verwandelt.

Fünf Stunden lädt der Choreograf in die St.-Elisabeth-Kirche ein. Jeder* kann kommen und gehen wann er/sie mag und sich frei im Raum bewegen und doch bleibt die mittlere Fläche frei. Das Publikum sitzt am Rand und beobachtet aus der Ferne, wie sich die zehn Performer*, darunter van Dinther selbst wehklagend in fremder Art und Weise bewegen.

Körperliche Schwere

Die Choreografie, die für Körper und Stimme angelegt ist, lebt von ihrer Langsamkeit. Erst wenn der erste Ton verklungen ist, folgt der nächste. Erst, wenn der Körper im neuen Raum angekommen ist, bewegt er sich weiter. Eine Schwere liegt auf Körper und Geist, die langsam den ganzen Raum erfüllt. Ein Mädchen weint.

Sakrale Pilgerstätte

Die Performer* versuchen, ihre Körper wie mit Nägeln am Boden festzudocken, greifen in den Körper des anderen, ziehen mit Gewalt aus dem Körper des anderen eine Art Geschwür, halten aneinander fest. Mit ihren Mündern, in ihren Mündern, mit ihren Armen, Beinen. Die Schwere bleibt.

Die Zuschauersituation hat sich aufgelöst und die Traurigkeit erfasst den ganzen Raum. Nur wenige verlassen die Performance nach zwei Stunden, obwohl der Zyklus wieder von vorn beginnt. Mit „Unearth“ gelingt es Jefta van Dinther erneut, den Menschen als fremdes Wesen und temporären Gast auf dieser Erde darzustellen.

2022.08.14

Janine Muckermann, Tanzschreiber

Polyphone Trauerwunden

Jefta van Dinthers „Unearth“ löst mittels Stimme und Tanz Erinnerungsfragmente und macht Gefühle der Verbundenheit erfahrbar. Die Uraufführung der vierstündigen Dauerperformance fand im Rahmen von Tanz im August am 13.8.2022 in der St. Elisabeth-Kirche statt und kann noch bis zum 16.8. besucht werden.

Die zehn Tänzer*innen Juan Pablo Camara, Emeka Ene, Leah Katz, Gyung Moo Kim, Leah Marojević, Dana Pajarillaga, Manon Parent, Roger Sala Reyner, Thomas Zamolo und Jefta van Dinther erwarten uns bereits in dem großen, hohen Saal der St. Elisabeth-Kirche. Sie tragen entweder enge Hosen mit verstärkten Sitzflächen, transparente Strumpfhosen oder kurze Hosen mit engen Sportshirts und lockere T-Shirts in zumeist erdigen Tönen, dazu derbe schwarze Stiefel. Einige Performer*innen sitzen gekrümmt oder liegen auf dem Boden und andere stehen, mit einem erschöpften Ausdruck im Gesicht, gebuckelten Rücken und hängenden Armen an die Steinwand gelehnt. Während wir Zuschauer*innen langsam eintreten und versuchen, dabei so leise wie möglich zu sein, bewegen sich die Performer*innen langsam, sie sind einander zugewandt, fassen sich zärtlich an, zwei küssen sich fast, doch scheinen sie sich nicht direkt anzusehen. Die Zuschauer*innen lassen sich derweil mit ihren Rücken an der Wand auf dem Boden nieder, auf den vereinzelten Stühlen oder auf den Stufen zum Chor. Tageslicht kommt herein durch die langen Fenster und die gläserne Decke.

Zwei Performerinnen, Manon Parent und Leah Katz, befinden sich direkt vor mir auf dem Boden. Die sitzende Parent reibt der auf ihr liegenden und verwundet anmutenden Katz über ihren Oberschenkel und Rumpf, aber drückt zu stark, als dass es liebevoll wirken könnte. Verträumt singt die sitzende Performerin, besingt die Liegende. Ihr Gesang verliert sich im Raum, ist mehr Melodie als Text. Wiederum langsam drehen sich die zwei, liegen aufeinander, küssen sich kurz und tauschen dann umschlungen ihre Positionen. Liegend setzt Manon Parent ihren Gesang fort: „I guess it’s just my life, it’s just my body“ – es ist eine Zeile aus dem Song „Body“ von Julia Jacklin. Sie wiederholt diesen Satz unaufhörlich, während die weiteren Performer*innen sich ihnen nähern, geduckt, mit vorgebeugten Oberkörpern, nach vorn hängenden Armen und schlaksigen Beinen, dann in der Hocke und auf allen Vieren. Ihre Bewegungen erinnern mich an den Gang von Untoten, die nicht zur Ruhe kommen, oder an den von Affen. Ihre Blicke wirken leer und schlaftrunken, ihre weit aufgerissenen Augen suchend. Langsam richten sich Manon Parent und Leah Katz auf, und gemeinsam mit den anderen schlendern, schleppen sie sich zur gegenüberliegenden Wand. 

Dann stimmt Leah Marojević in den Gesang ein mit Strophen des Titels „My Life“ der schwedischen Band jj: „I’m grindin’ until I’m tired. They say you ain’t grindin’ until you die.“ Auf dem Boden sitzend, mit schmerzverzerrtem Gesicht und gestrecktem Hals, singt Marojević laut, füllt den hohen Saal der Kulturkirche akustisch mit der klaren voluminösen Stimme: „Dear Lord, you took so many of my people. I’m just wondering why you haven’t taken my life. What the hell am I doing right?“ Diese Sätze wiederholen nun auch die anderen Performer*innen einzeln. Als Litanei eines vermeintlich kollektiven Gedächtnisses, das doch für jeden Menschen individuelle traumatische Erfahrungen und Erinnerungskulturen bedeutet, die sich in ihre Körper einbrennen, in die Seelen, die von der Zerstörungskraft der Gewalt und den Schmerzen der Trauer gezeichnet sind. Die Tänzer*innen liegen beinahe auf den Zuschauer*innen an der Wand, verschwinden unter ihnen, sprechen aus ihnen heraus. Das Singen wird hier zu einer introspektiven Geste, die auch die Zuschauer*innen sichtlich ergreift – mir treibt sie fast Tränen in die Augen –, vermutlich an ihre eigenen Erinnerungen denken lässt, an die Ungerechtigkeiten des Lebens, seine Willkür, an die Verletzungen und Verluste, die es durchziehen. 

Die zehn Performer*innen singen in einem polyphonen Chor, in welchem die Stimmen sich überlagern, neue Sätze bilden. Noch immer singend, kriechen die Tänzer*innen auf Knien zur Mitte des Raums in einer gemeinsamen Wanderung. Dabei reitet Dana Pajarillaga auf dem Rücken eines*r anderen Performer*in. Vergewissernd, dass die Herde vollständig und vor äußeren Gefahren sicher ist, schauen die Tänzer*innen zur Seite und nach hinten, machen zum Teil kehrt und reihen sich wieder ein. Obwohl sie desorientiert und in ihren eigenen Gedanken- oder Traumwelten versunken scheinen, brauchen sie einander, sie halten zusammen. So wandern sie im Verlauf der insgesamt vierstündigen Durational Performance von Ecke zu Ecke und wieder zur Mitte. Nach einer Weile finden sie in den Körpern, in den Mündern und Bauchorganen der anderen Tänzer*innen imaginäre, für uns Zuschauer*innen unsichtbare Fäden oder Faszien, die sie aus ihnen herausziehen und mit ihren Händen spannen, um sie den anderen zu präsentieren. Die wiederum begutachten sie mit Staunen. Auch den Boden nähen sie zusammen, zurren ihn fest, zerreißen Stränge, ziehen Schrauben und drücken Nägel ein. Versuchen sie, etwas zu kitten, zusammenzuflicken oder zu heilen? Die Verwobenheiten mit der Umwelt, mit der Erde, aufzudecken? Sie begleiten ihre Wanderungen und Heilungsversuche mit Interpretationen bekannter Songs, die auch die Zuschauer*innen womöglich mit Erinnerungen verbinden, darunter „S.O.S.“ von ABBA: „When you’re gone, how can I even try to go on? When you’re gone, though I try, how can I carry on?“. Der kulminierende Sprechgesang schlägt um in Jubellaute, in Grölen, Jammern, Schluchzen. Es sind stimmliche Geräusche und Klänge, die Gefühle ausdrücken und Informationen senden können, wenn Worte versagen oder sprachliche Übersetzungen nicht (mehr) zur Verfügung stehen.

Nach zwei Stunden folgt die Wiederholung des Stücks mit dezenten Veränderungen. Obwohl die Zuschauer*innen während der Dauerperformance ein- und ausgehen dürfen, bleibe ich wie viele andere aus dem Publikum bis zum Schluss im Saal, transzendiert, als es bereits dunkel wird und die Stimmen umso mehr hervortreten.

2022.08.19
Thomas Olsson, Svenska Dagbladet

Dystopiskt laddat vemod i augustidansens Berlin

Två Sverigebaserade koreografer gör kraftfulla intryck på Tanz im August i Berlin. Jefta van Dinthers nya verk är lika vackert som stor- slaget. Cristina Caprioli presenterar en generös retrospektiv.

Det är som om gester, rörelser och andra koreografiska element blir tydligare när de upprepas. Eller att ett större sammanhang skapas kring varje enskilt verk när man på en festival ges möjlighet att se mycket av samma koreograf. Det tänker jag när jag ser några av de föreställningar som ingår i den pågående dansfestivalen Tanz im August. Årets upplaga som presenteras på ett antal scener runt om i ett sommarvarmt Berlinär den 34:e, och den sista som leds av Virve Sutinen som konstnärlig ledare. Stockholmsbaserade Cristina Caprioli och hennes plattform Ccap ges stort utrymme i en omfattande retrospektiv med samlingstiteln ”Once over time”. Sammanlagt presenteras 22 verk från åren 2002–2022 under de tre veckor som festivalen pågår. Man skulle kunna säga att allting renodlas, såväl detaljerna som helheten, men inte i den mening- en att de blir enklare eller mindre komplexa när det repeteras eller när verk ställs bredvid varandra.

Speciellt gäller det här för Jefta van Dinthers senaste verk ”Un- earth” där tio dansare under fyra timmar tar plats i St Elisabeth- Kirches mer än 300 kvadratmeter stora öppna rum. Som verk är ”Unearth” lika vackert som det är storslaget vemodigt i sin långsamt uppbyggda karaktär. Det koreografiska anslaget hos Jefta van Dinther känns igen från de senas- te tre årens arbete med Cullberg, men här är det som om allting får bre ut sig i tid och rum. Speciellt när det visar sig att ”Unearth” består av två loopar och på så sätt börjar om efter knappt två tim- mar. Som en möjlig nystart som också innebär att det nyss sedda framträder på ett nytt sätt.

Lågt, nästan krypande, rör sig de tio dansarna ibland som en flock, stundtals utspridda längs rummets väggar och hörn. Nyfiket och djurlikt med uppdragna axlar och en vriden arm gräver de bokstavligen i såväl varandras kroppar som i golvet.Det är både rituellt och intimt där varje enskild dansare får möjlighet att utmejsla sin egen karaktär inom gruppen. Ett antal sånger hämtade från den populärkulturella sfären som alla framförs långsamt är en bärande del i ”Unearth”. Sammanhanget får sångtexter som The Games och Lil Waynes ”Dear Lord, you’ve done took so many of my people but I'm just wonderin’ why You haven’t taken my life?”, men även Abbas ”SOS”, att fram- stå som mer melodramatiska och vemodiga än vad de ursprungligen är: ”Whatever happened to our love? / I wish I understood / It used to be so nice/It used to be so good”.

Publiken kan träda in i Jefta van Dinthers suggestivt dystopiska landskap när som helst fram till verkets sista halvtimme, men på premiären är de allra flesta på plats redan när ”Unearth” inleds sent på eftermiddagen. Och de stannar hela tiden eftersom det är så laddat och fängslande att följa det som sker i ett verk som skulle kunna beskrivas som ett kollektivt sorgearbete. Att det relativt långa verket utspelas i det befintliga ljuset gör att rummet ändrar karaktär när solen till slut hinner gå ned och lämnar oss i dunklet.

Ordentligt med tid och rum skapar också Cristina Caprioli när hon i det fyra timmar långa pro- grammet ”Leafing: Spoons” presenterar ”Att att 5:7”, ”She who thinks she is a pale planet”, samt de två duetterna ”She said” och ”Here” med Anja Arnquist och Madeleine Lindh. Serien ”Leafing”, där ”Spoons” utgör den and- ra delen, inleds med ”Silver” och avslutas med ”Undercover”. Det hela känns väldigt generöst och inbjuder till att se alla lager som finns och som på olika sätt utforskas i de skilda verken, intellektuellt och med fysisk pregnans. Men även i andra verk som Capri- olis egna ”Scary solo” (”Ett hårresande solo”) som också visas på Tanz im August. I Stockholm fort- sätter Capriolis retrospektiv på Dansens hus i oktober, med ”Petrolio22”, en återkomst till hennes Pasolini-inspirerade verk.

Credits

Visuals

Videos

Texts

20230710

Javier López Piñón, Theatrekrant 

20230723

María Inés Villasmil, Susy-q 

UN PROFUNDO LAMENTO 

El coreógrafo sueco-holandés Jefta van Dinther es un invitado asiduo del Festival Julidans, de Ámsterdam, y esta vez lo vimos haciendo acto de presencia con su reciente trabajo ‘Unearth’. Esto nos pareció…

En ediciones anteriores de Julidans, el festival estival de Ámsterdam, el joven creador sueco-holandés Jefta Van Dinther ha tenido oportunidad de mostrar algunos de sus trabajos en el marco de uno de los festivales de danza contemporánea más importantes de Holanda y Europa, con propuestas como As it Empties Out, en la edición de 2015, Protagonist, en 2016 o el diptico On Earth I'm Done: Mountains & Islands, en 2022. Muchas de estas creaciones, especialmente las realizadas bajo la amplia sombrilla del Cullberg sueco, han recalado con éxito también en nuestro país, viéndose en casas como el Mercat de les Flors barcelonés, los madrileños Teatros del Canal o el sevillano Teatro Central, espacios donde el creador ya cultiva seguidores.

En la nueva Unheart, Van Dinther hace parte del elenco de los ocho bailarines que toman el espacio de la Galería W139 en medio del bullicio del barrio rojo de Ámsterdam, y por cuatro horas nos invita a presenciar un ritual que toca el lamento. El público tiene libertad de entrar y salir cuando lo desee en este largo periodo de tiempo, sin embargo, la propuesta atrapa de tal manera que se hace difícil alejarse de este mundo creado con voces y cuerpos, acoplados de tal manera que realmente hipnotizan.

van Dinther, que ha creado casi siempre un discurso muy apoyado por elementos escenográficos y luces, por imagen y sonido, reduce notablemente estos recursos en Unearth y aún así, ha mantenido a su audiencias enganchada durante varias horas. La galería W143, la locación seleccionada en esta ocasión, le ofrece un espacio totalmente blanco y diáfano con altos techos, por donde entra la luz natural de esta soleada tarde veraniega en Ámsterdam. Al público se le ofrece un cojín, en caso que desee sentarse, y cuando la audiencia accede al espacio, ya  los bailarines están esparcidos por el blanco lugar, aparentemente, sin ningún tipo de orden. Hay un dueto, ya en desarrollo, que recibe a los espectadores al entrar. Seguidamente, cuerpos moviéndose muy suave y lentamente a medida que cantan canciones pop al unísono pero sin renunciar a las armonías de los tonos vocales individuales, que hacen que la experiencia sea altamente sensorial, llevándote de manera irremediable a un estado de trance.

Cuerpos escudriñados - Los intérpretes parecen escudriñar en sus propios cuerpos y el de los otros. Se agrupan en dúos, tríos o cuartetos, casi siempre buscando apoyarse los unos a los otros. Muchas veces, rozan muy de cerca a los espectadores que observan y se quedan allí, cohabitando a ratos el espacio con ellos. Parecen buscar compañía y apoyo, como borrando esa distancia conceptual que existe entre el que observa y el que es observado, cuestionando quizá, una vez más, el concepto aceptado como espacio escénico.

A medida que pasa el tiempo, los performers van intensificando la entonación de sus voces, al tiempo que sus cuerpos van mostrando signos de cansancio. La propuesta parece ser una libre interpretación del tiempo y el espacio, donde el público forma parte del elemento escénico. Sin embargo, transcurridas dos horas exactas se llega a un calculado clímax y, con precisión de relojería, la estructura comienza de nuevo en una suerte de bucle, que es reconocible sólo si has estado como audiencia desde el inicio.

Las voces de los bailarines actúan como un potente coro, en el que muchas veces una sola voz es líder. Esta repetición, mantenida impecablemente por un grupo de intérpretes que llevan en sus entrañas el lenguaje corporal y la investigación física, conduce al trance que provoca esta propuesta que termina incorporando en su totalidad la voz como elemento fundamental.

Contrario a sus hábitos escénicos, Van Dinther minimiza el “aparatus teatral”. Lejos de diseñar una iluminación hace alianza con la naturaleza y el final de la representación corre en paralelo con el atardecer, usando la paulatina ausencia de luz natural como efecto lumínico y es así como terminamos en el espacio de la W139 totalmente a oscuras. Los bailarines son ahora sombras pero se siguen escuchando sus voces… un canto que nos acerca aún más a un lamento muy profundo, vulnerablemente humano.

20220815

Frank Schmid, RBB Kultur

...Es ist mal wieder ein extremes und exzentrisches Stück von Jefta van Dinther. So etwas wagt sonst niemand. Das ist ja ein Abtauchen in an tiefsten Stellen verborgene Gefühls- und Bewusstseinzustände. So ein unnachgiebiges Schürfen in Trauer-, Leid- und Sehnsuchtserfahrungen. Jede Bewegung ist bis ins kleinste und feinste Detail genau ausgearbeitet...

20220829

Greta Gaberer, Tanznetz

...Das komplette Gegenteil dazu kam von Jefta van Dinther mit seiner neuen Arbeit „Unearth“, die hier im Rahmen von Tanz im August ihre Weltpremiere hatte. Spielstätte war die St. Elisabeth-Kirche mit perfekten akustischen Möglichkeiten für diese Performance. In einem Theater hätte das ganze wohl nicht funktioniert. Einzige Geräuschquelle waren die Stimmen der zehn Tänzer*innen, die über weite Strecken der insgesamt vierstündigen Durational

Performance a capella sangen und sich damit ihre eigene Klangkulisse schufen. Das allein war so schön und vor allem berührend, dass man als Zuschauer*in immer wieder die Augen schließen und dem einfach nur zuhören wollte. Das war auch in Ordnung, denn insgesamt ist es eine langsame, unaufgeregte Arbeit. Es wurde sich sehr vorsichtig und bedacht bewegt, mal einzeln, mal zu zweit und mal fanden sich alle zusammen. Neben der Stimme stand der Körper im Vordergrund. Es gab viele Wiederholungen, die beinahe einen hypnotischen Bann auswirkten. Die Tänzer*innen schienen wie in Trance, vielleicht waren sie das sogar, und manchmal scheinen sie so verletzlich und emotional, dass es schwerfiel, hinzuschauen. „Unearth“ sollte „Zugehörigkeit, Sinn und Sterblichkeit als gesellschaftliche und spirituelle Konstrukte“ herausstellen, und abstrakt gelang das auch. Nach etwa einer Stunde konnte man sich aber denken, wie der restliche Abend verlaufen würde und konnte gehen und vielleicht zu einem späteren Zeitpunkt wiederkommen,

2022.08.22
Susanne Gietl, Kulturschoxx

Tanz im August 2022: Ins Licht

Mit seiner neuesten Performance „Unearth“ gibt Jefta van Dinther ein großes Versprechen. Er möchte Sinn und Sterblichkeit darin verhandeln und wählt dafür einen sakralen Ort, der sich nach und nach zu einer Pilgerstätte verwandelt.

Fünf Stunden lädt der Choreograf in die St.-Elisabeth-Kirche ein. Jeder* kann kommen und gehen wann er/sie mag und sich frei im Raum bewegen und doch bleibt die mittlere Fläche frei. Das Publikum sitzt am Rand und beobachtet aus der Ferne, wie sich die zehn Performer*, darunter van Dinther selbst wehklagend in fremder Art und Weise bewegen.

Körperliche Schwere

Die Choreografie, die für Körper und Stimme angelegt ist, lebt von ihrer Langsamkeit. Erst wenn der erste Ton verklungen ist, folgt der nächste. Erst, wenn der Körper im neuen Raum angekommen ist, bewegt er sich weiter. Eine Schwere liegt auf Körper und Geist, die langsam den ganzen Raum erfüllt. Ein Mädchen weint.

Sakrale Pilgerstätte

Die Performer* versuchen, ihre Körper wie mit Nägeln am Boden festzudocken, greifen in den Körper des anderen, ziehen mit Gewalt aus dem Körper des anderen eine Art Geschwür, halten aneinander fest. Mit ihren Mündern, in ihren Mündern, mit ihren Armen, Beinen. Die Schwere bleibt.

Die Zuschauersituation hat sich aufgelöst und die Traurigkeit erfasst den ganzen Raum. Nur wenige verlassen die Performance nach zwei Stunden, obwohl der Zyklus wieder von vorn beginnt. Mit „Unearth“ gelingt es Jefta van Dinther erneut, den Menschen als fremdes Wesen und temporären Gast auf dieser Erde darzustellen.

2022.08.14

Janine Muckermann, Tanzschreiber

Polyphone Trauerwunden

Jefta van Dinthers „Unearth“ löst mittels Stimme und Tanz Erinnerungsfragmente und macht Gefühle der Verbundenheit erfahrbar. Die Uraufführung der vierstündigen Dauerperformance fand im Rahmen von Tanz im August am 13.8.2022 in der St. Elisabeth-Kirche statt und kann noch bis zum 16.8. besucht werden.

Die zehn Tänzer*innen Juan Pablo Camara, Emeka Ene, Leah Katz, Gyung Moo Kim, Leah Marojević, Dana Pajarillaga, Manon Parent, Roger Sala Reyner, Thomas Zamolo und Jefta van Dinther erwarten uns bereits in dem großen, hohen Saal der St. Elisabeth-Kirche. Sie tragen entweder enge Hosen mit verstärkten Sitzflächen, transparente Strumpfhosen oder kurze Hosen mit engen Sportshirts und lockere T-Shirts in zumeist erdigen Tönen, dazu derbe schwarze Stiefel. Einige Performer*innen sitzen gekrümmt oder liegen auf dem Boden und andere stehen, mit einem erschöpften Ausdruck im Gesicht, gebuckelten Rücken und hängenden Armen an die Steinwand gelehnt. Während wir Zuschauer*innen langsam eintreten und versuchen, dabei so leise wie möglich zu sein, bewegen sich die Performer*innen langsam, sie sind einander zugewandt, fassen sich zärtlich an, zwei küssen sich fast, doch scheinen sie sich nicht direkt anzusehen. Die Zuschauer*innen lassen sich derweil mit ihren Rücken an der Wand auf dem Boden nieder, auf den vereinzelten Stühlen oder auf den Stufen zum Chor. Tageslicht kommt herein durch die langen Fenster und die gläserne Decke.

Zwei Performerinnen, Manon Parent und Leah Katz, befinden sich direkt vor mir auf dem Boden. Die sitzende Parent reibt der auf ihr liegenden und verwundet anmutenden Katz über ihren Oberschenkel und Rumpf, aber drückt zu stark, als dass es liebevoll wirken könnte. Verträumt singt die sitzende Performerin, besingt die Liegende. Ihr Gesang verliert sich im Raum, ist mehr Melodie als Text. Wiederum langsam drehen sich die zwei, liegen aufeinander, küssen sich kurz und tauschen dann umschlungen ihre Positionen. Liegend setzt Manon Parent ihren Gesang fort: „I guess it’s just my life, it’s just my body“ – es ist eine Zeile aus dem Song „Body“ von Julia Jacklin. Sie wiederholt diesen Satz unaufhörlich, während die weiteren Performer*innen sich ihnen nähern, geduckt, mit vorgebeugten Oberkörpern, nach vorn hängenden Armen und schlaksigen Beinen, dann in der Hocke und auf allen Vieren. Ihre Bewegungen erinnern mich an den Gang von Untoten, die nicht zur Ruhe kommen, oder an den von Affen. Ihre Blicke wirken leer und schlaftrunken, ihre weit aufgerissenen Augen suchend. Langsam richten sich Manon Parent und Leah Katz auf, und gemeinsam mit den anderen schlendern, schleppen sie sich zur gegenüberliegenden Wand. 

Dann stimmt Leah Marojević in den Gesang ein mit Strophen des Titels „My Life“ der schwedischen Band jj: „I’m grindin’ until I’m tired. They say you ain’t grindin’ until you die.“ Auf dem Boden sitzend, mit schmerzverzerrtem Gesicht und gestrecktem Hals, singt Marojević laut, füllt den hohen Saal der Kulturkirche akustisch mit der klaren voluminösen Stimme: „Dear Lord, you took so many of my people. I’m just wondering why you haven’t taken my life. What the hell am I doing right?“ Diese Sätze wiederholen nun auch die anderen Performer*innen einzeln. Als Litanei eines vermeintlich kollektiven Gedächtnisses, das doch für jeden Menschen individuelle traumatische Erfahrungen und Erinnerungskulturen bedeutet, die sich in ihre Körper einbrennen, in die Seelen, die von der Zerstörungskraft der Gewalt und den Schmerzen der Trauer gezeichnet sind. Die Tänzer*innen liegen beinahe auf den Zuschauer*innen an der Wand, verschwinden unter ihnen, sprechen aus ihnen heraus. Das Singen wird hier zu einer introspektiven Geste, die auch die Zuschauer*innen sichtlich ergreift – mir treibt sie fast Tränen in die Augen –, vermutlich an ihre eigenen Erinnerungen denken lässt, an die Ungerechtigkeiten des Lebens, seine Willkür, an die Verletzungen und Verluste, die es durchziehen. 

Die zehn Performer*innen singen in einem polyphonen Chor, in welchem die Stimmen sich überlagern, neue Sätze bilden. Noch immer singend, kriechen die Tänzer*innen auf Knien zur Mitte des Raums in einer gemeinsamen Wanderung. Dabei reitet Dana Pajarillaga auf dem Rücken eines*r anderen Performer*in. Vergewissernd, dass die Herde vollständig und vor äußeren Gefahren sicher ist, schauen die Tänzer*innen zur Seite und nach hinten, machen zum Teil kehrt und reihen sich wieder ein. Obwohl sie desorientiert und in ihren eigenen Gedanken- oder Traumwelten versunken scheinen, brauchen sie einander, sie halten zusammen. So wandern sie im Verlauf der insgesamt vierstündigen Durational Performance von Ecke zu Ecke und wieder zur Mitte. Nach einer Weile finden sie in den Körpern, in den Mündern und Bauchorganen der anderen Tänzer*innen imaginäre, für uns Zuschauer*innen unsichtbare Fäden oder Faszien, die sie aus ihnen herausziehen und mit ihren Händen spannen, um sie den anderen zu präsentieren. Die wiederum begutachten sie mit Staunen. Auch den Boden nähen sie zusammen, zurren ihn fest, zerreißen Stränge, ziehen Schrauben und drücken Nägel ein. Versuchen sie, etwas zu kitten, zusammenzuflicken oder zu heilen? Die Verwobenheiten mit der Umwelt, mit der Erde, aufzudecken? Sie begleiten ihre Wanderungen und Heilungsversuche mit Interpretationen bekannter Songs, die auch die Zuschauer*innen womöglich mit Erinnerungen verbinden, darunter „S.O.S.“ von ABBA: „When you’re gone, how can I even try to go on? When you’re gone, though I try, how can I carry on?“. Der kulminierende Sprechgesang schlägt um in Jubellaute, in Grölen, Jammern, Schluchzen. Es sind stimmliche Geräusche und Klänge, die Gefühle ausdrücken und Informationen senden können, wenn Worte versagen oder sprachliche Übersetzungen nicht (mehr) zur Verfügung stehen.

Nach zwei Stunden folgt die Wiederholung des Stücks mit dezenten Veränderungen. Obwohl die Zuschauer*innen während der Dauerperformance ein- und ausgehen dürfen, bleibe ich wie viele andere aus dem Publikum bis zum Schluss im Saal, transzendiert, als es bereits dunkel wird und die Stimmen umso mehr hervortreten.