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Photography  ©Jubal Battisti and ©Leidinger Mattias

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20231508

Vesna Mlakar, Tanznetz -Body-space concentration

"With Jefta van Dinther, for example, one could become a passive part of an extremely meditative and deeply existential lament of grief in the Freiheitshalle. His "Unearth" plays with trance-like states and tells of dejection, forlornness, grief and death. A cycle lasts about two hours, then the captivating eight performers, including van Dinther himself, begin again with their chanting, their hunched wandering and their animalistic crawling on all fours. The audience sits scattered on cushions. Walking and (re)coming is allowed at any time. In the daylight of the late afternoon, the show starts. At first, you only notice the singing woman bending over another one lying in front of her. Slowly, other figures shuffling shakily along emerge from the fringes of the hall. They too give free rein to their pain vocally in the immediate vicinity of the audience. Every now and then they are overcome by the urge to form a group. Then the pack moves through the room - like cat-like lizards creeping along, with their eyes turned inwards and absent. Their creaturely search for redemption, help and hope, all of which ultimately fails to materialise, ends in the twilight after four hours in a renewed collective recitation of mantras. What is wonderfully beautiful about this is that such an undefinedly bleak and at the same time humanly profound experience - repetitively limited in time and physically and extending to Wagnerian proportions - does not turn into a visitor killer."

"Bei Jefta van Dinther konnte man beispielsweise in der Freiheitshalle zum passiven Teil einer extrem meditativen und zutiefst existenziellen Trauerklage werden. Sein „Unearth“ spielt mit tranceartigen Zuständen und erzählt von Niedergedrücktheit, Verlorenheit, Kummer und Tod. Etwa zwei Stunden dauert ein Zyklus, dann beginnen die vereinnahmenden acht Performerinnen und Performer einschließlich van Dinther selbst mit ihren Gesängen, ihrem gekrümmten Umherwandeln und ihrem animalischen Kriechen auf allen Vieren von vorn. Das Publikum sitzt verstreut auf Kissen. Gehen und (Wieder-)Kommen ist jederzeit erlaubt. Im Tageslicht des Spätnachmittags geht es los. Anfangs fällt einem nur die singende Frau auf, die sich über eine andere, vor ihr liegende, beugt. Langsam lösen sich weitere, wackelig dahin schlurfende Gestalten aus dem Randbereich des Saals. Auch sie lassen ihrem Schmerz stimmlich in unmittelbarer Nähe der Zuschauer freien Lauf. Ab und an überkommt sie der Drang, sich in einer Gruppe zusammen zu schließen. Dann zieht die Meute – wie katzengleich dahinschleichende Echsen mit in sich gekehrten, abwesenden Blicken – durch den Raum. Ihre kreatürliche Suche nach Erlösung, Hilfe und Hoffnung, was letztlich alles ausbleibt, endet in der Dämmerung nach vier Stunden in einem erneuten kollektiven Aufsagen von Mantras. Wundersam schön daran ist, dass sich eine derart undefiniert trostlose und zugleich menschlich tiefe Erfahrung – zeitlich wie physisch repetitiv-beschränkt und sich auf Wagner-Ausmaße erstreckend – nicht zum Besucherkiller auswächst."

https://www.tanznetz.de/de/article/2023/koerper-raum-konzentration-tanzwerkstatt-europa

20230708

Sabine Leucht, Süddeutsche Zeitung

"An invitation to dive down to the original ground of one's own sadness -

Jefta van Dinther's performers have long been beyond pain and anger. "Let all hope go!" could be above the entrance to the Freedom Hall, where "Unearth" wants to be seen less than experienced. Shattered figures in heavy boots spin the spectators sitting in the middle of them into a ceremony that fascinates especially on the acoustic level. Polyphonic chorales repeat and alienate sad lines of text such as "I'm grinding until I die" or "Dear lord, you took so many of my people ..." in an endless loop. With their springy steps and hanging arms, the even survivors of some apocalypse look like primates when they sneak through the room on all fours, like predatory cats. In mysterious coercive acts, harvesting and craft activities such as picking, sewing, flattening seem to have survived. A better tomorrow is not in sight. One or the other suffering antomime would have been dispensable. As an invitation to everyone to dive down to the original ground of their own sadness in the midst of this hypnotic performance, "Unearth" has succeeded exceptionally."

" Eine Einladung zum Urgrund der eigenen Traurigkeit hinabzutauchen - 

Jefta van Dinthers Performer sind längst schon jenseits von Schmerz und Wut. "Lasst alle Hoffnung fahren!", könnte über dem Eingang zur Freiheitshalle stehen, in der "Unearth" weniger gesehen als erlebt werden will. Zerfetzte Gestalten in schweren Stiefeln spinnen die mitten unter ihnen sitzenden Zuschauer in eine Zeremonie ein, die vor allem auf der akustischen Ebene fasziniert. Vielstimmige Choräle wiederholen und verfremden traurige Textzeilen wie "I'm grinding until I die" oder "Dear lord, you took so many of my people ..." in Endlosschleife. Mit ihren federnden Schritten und hängenden Armen wirken die Gerade-noch- Überlebenden irgendeiner Apokalypse primatenähnlich, wenn sie auf allen Vieren durch den Raum schleichen, raubkatzengleich. In rätselhaften Zwangshandlungen scheinen Ernte- und handwerkliche Tätigkeiten wie Pflücken, Nähen, Plätten überlebt zu haben. Ein besseres Morgen ist nicht in Sicht. Die ein oder andere Leidenspantomime wäre verzichtbar gewesen. Als Einladung an alle, inmitten dieser hypnotischen Performance zum Urgrund der eigenen Traurigkeit hinabzutauchen, ist "Unearth" außergewöhnlich gelungen."

https://www.sueddeutsche.de/muenchen/tanzwerkstatt-festivak-muenchen-kritik-programm-1.6105652  

20230710

Javier López Piñón, Theatrekrant 

https://www.theaterkrant.nl/recensie/unearth/jefta-van-dinther/

20230723

María Inés Villasmil, Susy-q 

UN PROFUNDO LAMENTO El coreógrafo sueco-holandés Jefta van Dinther es un invitado asiduo del Festival Julidans, de Ámsterdam, y esta vez lo vimos haciendo acto de presencia con su reciente trabajo ‘Unearth’. Esto nos pareció…

En ediciones anteriores de Julidans, el festival estival de Ámsterdam, el joven creador sueco-holandés Jefta Van Dinther ha tenido oportunidad de mostrar algunos de sus trabajos en el marco de uno de los festivales de danza contemporánea más importantes de Holanda y Europa, con propuestas como As it Empties Out, en la edición de 2015, Protagonist, en 2016 o el diptico On Earth I'm Done: Mountains & Islands, en 2022. Muchas de estas creaciones, especialmente las realizadas bajo la amplia sombrilla del Cullberg sueco, han recalado con éxito también en nuestro país, viéndose en casas como el Mercat de les Flors barcelonés, los madrileños Teatros del Canal o el sevillano Teatro Central, espacios donde el creador ya cultiva seguidores.

En la nueva Unheart, Van Dinther hace parte del elenco de los ocho bailarines que toman el espacio de la Galería W139 en medio del bullicio del barrio rojo de Ámsterdam, y por cuatro horas nos invita a presenciar un ritual que toca el lamento. El público tiene libertad de entrar y salir cuando lo desee en este largo periodo de tiempo, sin embargo, la propuesta atrapa de tal manera que se hace difícil alejarse de este mundo creado con voces y cuerpos, acoplados de tal manera que realmente hipnotizan.

van Dinther, que ha creado casi siempre un discurso muy apoyado por elementos escenográficos y luces, por imagen y sonido, reduce notablemente estos recursos en Unearth y aún así, ha mantenido a su audiencias enganchada durante varias horas. La galería W143, la locación seleccionada en esta ocasión, le ofrece un espacio totalmente blanco y diáfano con altos techos, por donde entra la luz natural de esta soleada tarde veraniega en Ámsterdam. Al público se le ofrece un cojín, en caso que desee sentarse, y cuando la audiencia accede al espacio, ya  los bailarines están esparcidos por el blanco lugar, aparentemente, sin ningún tipo de orden. Hay un dueto, ya en desarrollo, que recibe a los espectadores al entrar. Seguidamente, cuerpos moviéndose muy suave y lentamente a medida que cantan canciones pop al unísono pero sin renunciar a las armonías de los tonos vocales individuales, que hacen que la experiencia sea altamente sensorial, llevándote de manera irremediable a un estado de trance.

Cuerpos escudriñados

Los intérpretes parecen escudriñar en sus propios cuerpos y el de los otros. Se agrupan en dúos, tríos o cuartetos, casi siempre buscando apoyarse los unos a los otros. Muchas veces, rozan muy de cerca a los espectadores que observan y se quedan allí, cohabitando a ratos el espacio con ellos. Parecen buscar compañía y apoyo, como borrando esa distancia conceptual que existe entre el que observa y el que es observado, cuestionando quizá, una vez más, el concepto aceptado como espacio escénico.

A medida que pasa el tiempo, los performers van intensificando la entonación de sus voces, al tiempo que sus cuerpos van mostrando signos de cansancio. La propuesta parece ser una libre interpretación del tiempo y el espacio, donde el público forma parte del elemento escénico. Sin embargo, transcurridas dos horas exactas se llega a un calculado clímax y, con precisión de relojería, la estructura comienza de nuevo en una suerte de bucle, que es reconocible sólo si has estado como audiencia desde el inicio.

Las voces de los bailarines actúan como un potente coro, en el que muchas veces una sola voz es líder. Esta repetición, mantenida impecablemente por un grupo de intérpretes que llevan en sus entrañas el lenguaje corporal y la investigación física, conduce al trance que provoca esta propuesta que termina incorporando en su totalidad la voz como elemento fundamental.

Contrario a sus hábitos escénicos, Van Dinther minimiza el “aparatus teatral”. Lejos de diseñar una iluminación hace alianza con la naturaleza y el final de la representación corre en paralelo con el atardecer, usando la paulatina ausencia de luz natural como efecto lumínico y es así como terminamos en el espacio de la W139 totalmente a oscuras. Los bailarines son ahora sombras pero se siguen escuchando sus voces… un canto que nos acerca aún más a un lamento muy profundo, vulnerablemente humano.

https://susy-q.es/criticas/1899-jefta-van-dinther-julidans?fbclid=IwAR1CgZNR1jiB7h3690ZgV87jwrN2j2StQuSDHDWD43Hx8lA176VkQlx2Na0 

20220815

Frank Schmid, RBB Kultur

...Es ist mal wieder ein extremes und exzentrisches Stück von Jefta van Dinther. So etwas wagt sonst niemand. Das ist ja ein Abtauchen in an tiefsten Stellen verborgene Gefühls- und Bewusstseinzustände. So ein unnachgiebiges Schürfen in Trauer-, Leid- und Sehnsuchtserfahrungen. Jede Bewegung ist bis ins kleinste und feinste Detail genau ausgearbeitet...

https://www.rbb-online.de/rbbkultur/radio/programm/schema/sendungen/der_morgen/archiv/20220815_0600/fruehkritik_0745.html

20220829

Greta Gaberer, Tanznetz

...Das komplette Gegenteil dazu kam von Jefta van Dinther mit seiner neuen Arbeit „Unearth“, die hier im Rahmen von Tanz im August ihre Weltpremiere hatte. Spielstätte war die St. Elisabeth-Kirche mit perfekten akustischen Möglichkeiten für diese Performance. In einem Theater hätte das ganze wohl nicht funktioniert. Einzige Geräuschquelle waren die Stimmen der zehn Tänzer*innen, die über weite Strecken der insgesamt vierstündigen Durational

Performance a capella sangen und sich damit ihre eigene Klangkulisse schufen. Das allein war so schön und vor allem berührend, dass man als Zuschauer*in immer wieder die Augen schließen und dem einfach nur zuhören wollte. Das war auch in Ordnung, denn insgesamt ist es eine langsame, unaufgeregte Arbeit. Es wurde sich sehr vorsichtig und bedacht bewegt, mal einzeln, mal zu zweit und mal fanden sich alle zusammen. Neben der Stimme stand der Körper im Vordergrund. Es gab viele Wiederholungen, die beinahe einen hypnotischen Bann auswirkten. Die Tänzer*innen schienen wie in Trance, vielleicht waren sie das sogar, und manchmal scheinen sie so verletzlich und emotional, dass es schwerfiel, hinzuschauen. „Unearth“ sollte „Zugehörigkeit, Sinn und Sterblichkeit als gesellschaftliche und spirituelle Konstrukte“ herausstellen, und abstrakt gelang das auch. Nach etwa einer Stunde konnte man sich aber denken, wie der restliche Abend verlaufen würde und konnte gehen und vielleicht zu einem späteren Zeitpunkt wiederkommen,

2022.08.22
Susanne Gietl, Kulturschoxx

Tanz im August 2022: Ins Licht

Mit seiner neuesten Performance „Unearth“ gibt Jefta van Dinther ein großes Versprechen. Er möchte Sinn und Sterblichkeit darin verhandeln und wählt dafür einen sakralen Ort, der sich nach und nach zu einer Pilgerstätte verwandelt.

Fünf Stunden lädt der Choreograf in die St.-Elisabeth-Kirche ein. Jeder* kann kommen und gehen wann er/sie mag und sich frei im Raum bewegen und doch bleibt die mittlere Fläche frei. Das Publikum sitzt am Rand und beobachtet aus der Ferne, wie sich die zehn Performer*, darunter van Dinther selbst wehklagend in fremder Art und Weise bewegen.

Körperliche Schwere

Die Choreografie, die für Körper und Stimme angelegt ist, lebt von ihrer Langsamkeit. Erst wenn der erste Ton verklungen ist, folgt der nächste. Erst, wenn der Körper im neuen Raum angekommen ist, bewegt er sich weiter. Eine Schwere liegt auf Körper und Geist, die langsam den ganzen Raum erfüllt. Ein Mädchen weint.

Sakrale Pilgerstätte

Die Performer* versuchen, ihre Körper wie mit Nägeln am Boden festzudocken, greifen in den Körper des anderen, ziehen mit Gewalt aus dem Körper des anderen eine Art Geschwür, halten aneinander fest. Mit ihren Mündern, in ihren Mündern, mit ihren Armen, Beinen. Die Schwere bleibt.

Die Zuschauersituation hat sich aufgelöst und die Traurigkeit erfasst den ganzen Raum. Nur wenige verlassen die Performance nach zwei Stunden, obwohl der Zyklus wieder von vorn beginnt. Mit „Unearth“ gelingt es Jefta van Dinther erneut, den Menschen als fremdes Wesen und temporären Gast auf dieser Erde darzustellen.

2022.08.14

Janine Muckermann, Tanzschreiber

Polyphone Trauerwunden

Jefta van Dinthers „Unearth“ löst mittels Stimme und Tanz Erinnerungsfragmente und macht Gefühle der Verbundenheit erfahrbar. Die Uraufführung der vierstündigen Dauerperformance fand im Rahmen von Tanz im August am 13.8.2022 in der St. Elisabeth-Kirche statt und kann noch bis zum 16.8. besucht werden.

Die zehn Tänzer*innen Juan Pablo Camara, Emeka Ene, Leah Katz, Gyung Moo Kim, Leah Marojević, Dana Pajarillaga, Manon Parent, Roger Sala Reyner, Thomas Zamolo und Jefta van Dinther erwarten uns bereits in dem großen, hohen Saal der St. Elisabeth-Kirche. Sie tragen entweder enge Hosen mit verstärkten Sitzflächen, transparente Strumpfhosen oder kurze Hosen mit engen Sportshirts und lockere T-Shirts in zumeist erdigen Tönen, dazu derbe schwarze Stiefel. Einige Performer*innen sitzen gekrümmt oder liegen auf dem Boden und andere stehen, mit einem erschöpften Ausdruck im Gesicht, gebuckelten Rücken und hängenden Armen an die Steinwand gelehnt. Während wir Zuschauer*innen langsam eintreten und versuchen, dabei so leise wie möglich zu sein, bewegen sich die Performer*innen langsam, sie sind einander zugewandt, fassen sich zärtlich an, zwei küssen sich fast, doch scheinen sie sich nicht direkt anzusehen. Die Zuschauer*innen lassen sich derweil mit ihren Rücken an der Wand auf dem Boden nieder, auf den vereinzelten Stühlen oder auf den Stufen zum Chor. Tageslicht kommt herein durch die langen Fenster und die gläserne Decke.

Zwei Performerinnen, Manon Parent und Leah Katz, befinden sich direkt vor mir auf dem Boden. Die sitzende Parent reibt der auf ihr liegenden und verwundet anmutenden Katz über ihren Oberschenkel und Rumpf, aber drückt zu stark, als dass es liebevoll wirken könnte. Verträumt singt die sitzende Performerin, besingt die Liegende. Ihr Gesang verliert sich im Raum, ist mehr Melodie als Text. Wiederum langsam drehen sich die zwei, liegen aufeinander, küssen sich kurz und tauschen dann umschlungen ihre Positionen. Liegend setzt Manon Parent ihren Gesang fort: „I guess it’s just my life, it’s just my body“ – es ist eine Zeile aus dem Song „Body“ von Julia Jacklin. Sie wiederholt diesen Satz unaufhörlich, während die weiteren Performer*innen sich ihnen nähern, geduckt, mit vorgebeugten Oberkörpern, nach vorn hängenden Armen und schlaksigen Beinen, dann in der Hocke und auf allen Vieren. Ihre Bewegungen erinnern mich an den Gang von Untoten, die nicht zur Ruhe kommen, oder an den von Affen. Ihre Blicke wirken leer und schlaftrunken, ihre weit aufgerissenen Augen suchend. Langsam richten sich Manon Parent und Leah Katz auf, und gemeinsam mit den anderen schlendern, schleppen sie sich zur gegenüberliegenden Wand. 

Dann stimmt Leah Marojević in den Gesang ein mit Strophen des Titels „My Life“ der schwedischen Band jj: „I’m grindin’ until I’m tired. They say you ain’t grindin’ until you die.“ Auf dem Boden sitzend, mit schmerzverzerrtem Gesicht und gestrecktem Hals, singt Marojević laut, füllt den hohen Saal der Kulturkirche akustisch mit der klaren voluminösen Stimme: „Dear Lord, you took so many of my people. I’m just wondering why you haven’t taken my life. What the hell am I doing right?“ Diese Sätze wiederholen nun auch die anderen Performer*innen einzeln. Als Litanei eines vermeintlich kollektiven Gedächtnisses, das doch für jeden Menschen individuelle traumatische Erfahrungen und Erinnerungskulturen bedeutet, die sich in ihre Körper einbrennen, in die Seelen, die von der Zerstörungskraft der Gewalt und den Schmerzen der Trauer gezeichnet sind. Die Tänzer*innen liegen beinahe auf den Zuschauer*innen an der Wand, verschwinden unter ihnen, sprechen aus ihnen heraus. Das Singen wird hier zu einer introspektiven Geste, die auch die Zuschauer*innen sichtlich ergreift – mir treibt sie fast Tränen in die Augen –, vermutlich an ihre eigenen Erinnerungen denken lässt, an die Ungerechtigkeiten des Lebens, seine Willkür, an die Verletzungen und Verluste, die es durchziehen. 

Die zehn Performer*innen singen in einem polyphonen Chor, in welchem die Stimmen sich überlagern, neue Sätze bilden. Noch immer singend, kriechen die Tänzer*innen auf Knien zur Mitte des Raums in einer gemeinsamen Wanderung. Dabei reitet Dana Pajarillaga auf dem Rücken eines*r anderen Performer*in. Vergewissernd, dass die Herde vollständig und vor äußeren Gefahren sicher ist, schauen die Tänzer*innen zur Seite und nach hinten, machen zum Teil kehrt und reihen sich wieder ein. Obwohl sie desorientiert und in ihren eigenen Gedanken- oder Traumwelten versunken scheinen, brauchen sie einander, sie halten zusammen. So wandern sie im Verlauf der insgesamt vierstündigen Durational Performance von Ecke zu Ecke und wieder zur Mitte. Nach einer Weile finden sie in den Körpern, in den Mündern und Bauchorganen der anderen Tänzer*innen imaginäre, für uns Zuschauer*innen unsichtbare Fäden oder Faszien, die sie aus ihnen herausziehen und mit ihren Händen spannen, um sie den anderen zu präsentieren. Die wiederum begutachten sie mit Staunen. Auch den Boden nähen sie zusammen, zurren ihn fest, zerreißen Stränge, ziehen Schrauben und drücken Nägel ein. Versuchen sie, etwas zu kitten, zusammenzuflicken oder zu heilen? Die Verwobenheiten mit der Umwelt, mit der Erde, aufzudecken? Sie begleiten ihre Wanderungen und Heilungsversuche mit Interpretationen bekannter Songs, die auch die Zuschauer*innen womöglich mit Erinnerungen verbinden, darunter „S.O.S.“ von ABBA: „When you’re gone, how can I even try to go on? When you’re gone, though I try, how can I carry on?“. Der kulminierende Sprechgesang schlägt um in Jubellaute, in Grölen, Jammern, Schluchzen. Es sind stimmliche Geräusche und Klänge, die Gefühle ausdrücken und Informationen senden können, wenn Worte versagen oder sprachliche Übersetzungen nicht (mehr) zur Verfügung stehen.

Nach zwei Stunden folgt die Wiederholung des Stücks mit dezenten Veränderungen. Obwohl die Zuschauer*innen während der Dauerperformance ein- und ausgehen dürfen, bleibe ich wie viele andere aus dem Publikum bis zum Schluss im Saal, transzendiert, als es bereits dunkel wird und die Stimmen umso mehr hervortreten.

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20230710

Javier López Piñón, Theatrekrant 

https://www.theaterkrant.nl/recensie/unearth/jefta-van-dinther/

20230723

María Inés Villasmil, Susy-q 

UN PROFUNDO LAMENTO El coreógrafo sueco-holandés Jefta van Dinther es un invitado asiduo del Festival Julidans, de Ámsterdam, y esta vez lo vimos haciendo acto de presencia con su reciente trabajo ‘Unearth’. Esto nos pareció…

En ediciones anteriores de Julidans, el festival estival de Ámsterdam, el joven creador sueco-holandés Jefta Van Dinther ha tenido oportunidad de mostrar algunos de sus trabajos en el marco de uno de los festivales de danza contemporánea más importantes de Holanda y Europa, con propuestas como As it Empties Out, en la edición de 2015, Protagonist, en 2016 o el diptico On Earth I'm Done: Mountains & Islands, en 2022. Muchas de estas creaciones, especialmente las realizadas bajo la amplia sombrilla del Cullberg sueco, han recalado con éxito también en nuestro país, viéndose en casas como el Mercat de les Flors barcelonés, los madrileños Teatros del Canal o el sevillano Teatro Central, espacios donde el creador ya cultiva seguidores.

En la nueva Unheart, Van Dinther hace parte del elenco de los ocho bailarines que toman el espacio de la Galería W139 en medio del bullicio del barrio rojo de Ámsterdam, y por cuatro horas nos invita a presenciar un ritual que toca el lamento. El público tiene libertad de entrar y salir cuando lo desee en este largo periodo de tiempo, sin embargo, la propuesta atrapa de tal manera que se hace difícil alejarse de este mundo creado con voces y cuerpos, acoplados de tal manera que realmente hipnotizan.

van Dinther, que ha creado casi siempre un discurso muy apoyado por elementos escenográficos y luces, por imagen y sonido, reduce notablemente estos recursos en Unearth y aún así, ha mantenido a su audiencias enganchada durante varias horas. La galería W143, la locación seleccionada en esta ocasión, le ofrece un espacio totalmente blanco y diáfano con altos techos, por donde entra la luz natural de esta soleada tarde veraniega en Ámsterdam. Al público se le ofrece un cojín, en caso que desee sentarse, y cuando la audiencia accede al espacio, ya  los bailarines están esparcidos por el blanco lugar, aparentemente, sin ningún tipo de orden. Hay un dueto, ya en desarrollo, que recibe a los espectadores al entrar. Seguidamente, cuerpos moviéndose muy suave y lentamente a medida que cantan canciones pop al unísono pero sin renunciar a las armonías de los tonos vocales individuales, que hacen que la experiencia sea altamente sensorial, llevándote de manera irremediable a un estado de trance.

Cuerpos escudriñados

Los intérpretes parecen escudriñar en sus propios cuerpos y el de los otros. Se agrupan en dúos, tríos o cuartetos, casi siempre buscando apoyarse los unos a los otros. Muchas veces, rozan muy de cerca a los espectadores que observan y se quedan allí, cohabitando a ratos el espacio con ellos. Parecen buscar compañía y apoyo, como borrando esa distancia conceptual que existe entre el que observa y el que es observado, cuestionando quizá, una vez más, el concepto aceptado como espacio escénico.

A medida que pasa el tiempo, los performers van intensificando la entonación de sus voces, al tiempo que sus cuerpos van mostrando signos de cansancio. La propuesta parece ser una libre interpretación del tiempo y el espacio, donde el público forma parte del elemento escénico. Sin embargo, transcurridas dos horas exactas se llega a un calculado clímax y, con precisión de relojería, la estructura comienza de nuevo en una suerte de bucle, que es reconocible sólo si has estado como audiencia desde el inicio.

Las voces de los bailarines actúan como un potente coro, en el que muchas veces una sola voz es líder. Esta repetición, mantenida impecablemente por un grupo de intérpretes que llevan en sus entrañas el lenguaje corporal y la investigación física, conduce al trance que provoca esta propuesta que termina incorporando en su totalidad la voz como elemento fundamental.

Contrario a sus hábitos escénicos, Van Dinther minimiza el “aparatus teatral”. Lejos de diseñar una iluminación hace alianza con la naturaleza y el final de la representación corre en paralelo con el atardecer, usando la paulatina ausencia de luz natural como efecto lumínico y es así como terminamos en el espacio de la W139 totalmente a oscuras. Los bailarines son ahora sombras pero se siguen escuchando sus voces… un canto que nos acerca aún más a un lamento muy profundo, vulnerablemente humano.

https://susy-q.es/criticas/1899-jefta-van-dinther-julidans?fbclid=IwAR1CgZNR1jiB7h3690ZgV87jwrN2j2StQuSDHDWD43Hx8lA176VkQlx2Na0 

20220815

Frank Schmid, RBB Kultur

...Es ist mal wieder ein extremes und exzentrisches Stück von Jefta van Dinther. So etwas wagt sonst niemand. Das ist ja ein Abtauchen in an tiefsten Stellen verborgene Gefühls- und Bewusstseinzustände. So ein unnachgiebiges Schürfen in Trauer-, Leid- und Sehnsuchtserfahrungen. Jede Bewegung ist bis ins kleinste und feinste Detail genau ausgearbeitet...

https://www.rbb-online.de/rbbkultur/radio/programm/schema/sendungen/der_morgen/archiv/20220815_0600/fruehkritik_0745.html

20220829

Greta Gaberer, Tanznetz

...Das komplette Gegenteil dazu kam von Jefta van Dinther mit seiner neuen Arbeit „Unearth“, die hier im Rahmen von Tanz im August ihre Weltpremiere hatte. Spielstätte war die St. Elisabeth-Kirche mit perfekten akustischen Möglichkeiten für diese Performance. In einem Theater hätte das ganze wohl nicht funktioniert. Einzige Geräuschquelle waren die Stimmen der zehn Tänzer*innen, die über weite Strecken der insgesamt vierstündigen Durational

Performance a capella sangen und sich damit ihre eigene Klangkulisse schufen. Das allein war so schön und vor allem berührend, dass man als Zuschauer*in immer wieder die Augen schließen und dem einfach nur zuhören wollte. Das war auch in Ordnung, denn insgesamt ist es eine langsame, unaufgeregte Arbeit. Es wurde sich sehr vorsichtig und bedacht bewegt, mal einzeln, mal zu zweit und mal fanden sich alle zusammen. Neben der Stimme stand der Körper im Vordergrund. Es gab viele Wiederholungen, die beinahe einen hypnotischen Bann auswirkten. Die Tänzer*innen schienen wie in Trance, vielleicht waren sie das sogar, und manchmal scheinen sie so verletzlich und emotional, dass es schwerfiel, hinzuschauen. „Unearth“ sollte „Zugehörigkeit, Sinn und Sterblichkeit als gesellschaftliche und spirituelle Konstrukte“ herausstellen, und abstrakt gelang das auch. Nach etwa einer Stunde konnte man sich aber denken, wie der restliche Abend verlaufen würde und konnte gehen und vielleicht zu einem späteren Zeitpunkt wiederkommen,

2022.08.22
Susanne Gietl, Kulturschoxx

Tanz im August 2022: Ins Licht

Mit seiner neuesten Performance „Unearth“ gibt Jefta van Dinther ein großes Versprechen. Er möchte Sinn und Sterblichkeit darin verhandeln und wählt dafür einen sakralen Ort, der sich nach und nach zu einer Pilgerstätte verwandelt.

Fünf Stunden lädt der Choreograf in die St.-Elisabeth-Kirche ein. Jeder* kann kommen und gehen wann er/sie mag und sich frei im Raum bewegen und doch bleibt die mittlere Fläche frei. Das Publikum sitzt am Rand und beobachtet aus der Ferne, wie sich die zehn Performer*, darunter van Dinther selbst wehklagend in fremder Art und Weise bewegen.

Körperliche Schwere

Die Choreografie, die für Körper und Stimme angelegt ist, lebt von ihrer Langsamkeit. Erst wenn der erste Ton verklungen ist, folgt der nächste. Erst, wenn der Körper im neuen Raum angekommen ist, bewegt er sich weiter. Eine Schwere liegt auf Körper und Geist, die langsam den ganzen Raum erfüllt. Ein Mädchen weint.

Sakrale Pilgerstätte

Die Performer* versuchen, ihre Körper wie mit Nägeln am Boden festzudocken, greifen in den Körper des anderen, ziehen mit Gewalt aus dem Körper des anderen eine Art Geschwür, halten aneinander fest. Mit ihren Mündern, in ihren Mündern, mit ihren Armen, Beinen. Die Schwere bleibt.

Die Zuschauersituation hat sich aufgelöst und die Traurigkeit erfasst den ganzen Raum. Nur wenige verlassen die Performance nach zwei Stunden, obwohl der Zyklus wieder von vorn beginnt. Mit „Unearth“ gelingt es Jefta van Dinther erneut, den Menschen als fremdes Wesen und temporären Gast auf dieser Erde darzustellen.

2022.08.14

Janine Muckermann, Tanzschreiber

Polyphone Trauerwunden

Jefta van Dinthers „Unearth“ löst mittels Stimme und Tanz Erinnerungsfragmente und macht Gefühle der Verbundenheit erfahrbar. Die Uraufführung der vierstündigen Dauerperformance fand im Rahmen von Tanz im August am 13.8.2022 in der St. Elisabeth-Kirche statt und kann noch bis zum 16.8. besucht werden.

Die zehn Tänzer*innen Juan Pablo Camara, Emeka Ene, Leah Katz, Gyung Moo Kim, Leah Marojević, Dana Pajarillaga, Manon Parent, Roger Sala Reyner, Thomas Zamolo und Jefta van Dinther erwarten uns bereits in dem großen, hohen Saal der St. Elisabeth-Kirche. Sie tragen entweder enge Hosen mit verstärkten Sitzflächen, transparente Strumpfhosen oder kurze Hosen mit engen Sportshirts und lockere T-Shirts in zumeist erdigen Tönen, dazu derbe schwarze Stiefel. Einige Performer*innen sitzen gekrümmt oder liegen auf dem Boden und andere stehen, mit einem erschöpften Ausdruck im Gesicht, gebuckelten Rücken und hängenden Armen an die Steinwand gelehnt. Während wir Zuschauer*innen langsam eintreten und versuchen, dabei so leise wie möglich zu sein, bewegen sich die Performer*innen langsam, sie sind einander zugewandt, fassen sich zärtlich an, zwei küssen sich fast, doch scheinen sie sich nicht direkt anzusehen. Die Zuschauer*innen lassen sich derweil mit ihren Rücken an der Wand auf dem Boden nieder, auf den vereinzelten Stühlen oder auf den Stufen zum Chor. Tageslicht kommt herein durch die langen Fenster und die gläserne Decke.

Zwei Performerinnen, Manon Parent und Leah Katz, befinden sich direkt vor mir auf dem Boden. Die sitzende Parent reibt der auf ihr liegenden und verwundet anmutenden Katz über ihren Oberschenkel und Rumpf, aber drückt zu stark, als dass es liebevoll wirken könnte. Verträumt singt die sitzende Performerin, besingt die Liegende. Ihr Gesang verliert sich im Raum, ist mehr Melodie als Text. Wiederum langsam drehen sich die zwei, liegen aufeinander, küssen sich kurz und tauschen dann umschlungen ihre Positionen. Liegend setzt Manon Parent ihren Gesang fort: „I guess it’s just my life, it’s just my body“ – es ist eine Zeile aus dem Song „Body“ von Julia Jacklin. Sie wiederholt diesen Satz unaufhörlich, während die weiteren Performer*innen sich ihnen nähern, geduckt, mit vorgebeugten Oberkörpern, nach vorn hängenden Armen und schlaksigen Beinen, dann in der Hocke und auf allen Vieren. Ihre Bewegungen erinnern mich an den Gang von Untoten, die nicht zur Ruhe kommen, oder an den von Affen. Ihre Blicke wirken leer und schlaftrunken, ihre weit aufgerissenen Augen suchend. Langsam richten sich Manon Parent und Leah Katz auf, und gemeinsam mit den anderen schlendern, schleppen sie sich zur gegenüberliegenden Wand. 

Dann stimmt Leah Marojević in den Gesang ein mit Strophen des Titels „My Life“ der schwedischen Band jj: „I’m grindin’ until I’m tired. They say you ain’t grindin’ until you die.“ Auf dem Boden sitzend, mit schmerzverzerrtem Gesicht und gestrecktem Hals, singt Marojević laut, füllt den hohen Saal der Kulturkirche akustisch mit der klaren voluminösen Stimme: „Dear Lord, you took so many of my people. I’m just wondering why you haven’t taken my life. What the hell am I doing right?“ Diese Sätze wiederholen nun auch die anderen Performer*innen einzeln. Als Litanei eines vermeintlich kollektiven Gedächtnisses, das doch für jeden Menschen individuelle traumatische Erfahrungen und Erinnerungskulturen bedeutet, die sich in ihre Körper einbrennen, in die Seelen, die von der Zerstörungskraft der Gewalt und den Schmerzen der Trauer gezeichnet sind. Die Tänzer*innen liegen beinahe auf den Zuschauer*innen an der Wand, verschwinden unter ihnen, sprechen aus ihnen heraus. Das Singen wird hier zu einer introspektiven Geste, die auch die Zuschauer*innen sichtlich ergreift – mir treibt sie fast Tränen in die Augen –, vermutlich an ihre eigenen Erinnerungen denken lässt, an die Ungerechtigkeiten des Lebens, seine Willkür, an die Verletzungen und Verluste, die es durchziehen. 

Die zehn Performer*innen singen in einem polyphonen Chor, in welchem die Stimmen sich überlagern, neue Sätze bilden. Noch immer singend, kriechen die Tänzer*innen auf Knien zur Mitte des Raums in einer gemeinsamen Wanderung. Dabei reitet Dana Pajarillaga auf dem Rücken eines*r anderen Performer*in. Vergewissernd, dass die Herde vollständig und vor äußeren Gefahren sicher ist, schauen die Tänzer*innen zur Seite und nach hinten, machen zum Teil kehrt und reihen sich wieder ein. Obwohl sie desorientiert und in ihren eigenen Gedanken- oder Traumwelten versunken scheinen, brauchen sie einander, sie halten zusammen. So wandern sie im Verlauf der insgesamt vierstündigen Durational Performance von Ecke zu Ecke und wieder zur Mitte. Nach einer Weile finden sie in den Körpern, in den Mündern und Bauchorganen der anderen Tänzer*innen imaginäre, für uns Zuschauer*innen unsichtbare Fäden oder Faszien, die sie aus ihnen herausziehen und mit ihren Händen spannen, um sie den anderen zu präsentieren. Die wiederum begutachten sie mit Staunen. Auch den Boden nähen sie zusammen, zurren ihn fest, zerreißen Stränge, ziehen Schrauben und drücken Nägel ein. Versuchen sie, etwas zu kitten, zusammenzuflicken oder zu heilen? Die Verwobenheiten mit der Umwelt, mit der Erde, aufzudecken? Sie begleiten ihre Wanderungen und Heilungsversuche mit Interpretationen bekannter Songs, die auch die Zuschauer*innen womöglich mit Erinnerungen verbinden, darunter „S.O.S.“ von ABBA: „When you’re gone, how can I even try to go on? When you’re gone, though I try, how can I carry on?“. Der kulminierende Sprechgesang schlägt um in Jubellaute, in Grölen, Jammern, Schluchzen. Es sind stimmliche Geräusche und Klänge, die Gefühle ausdrücken und Informationen senden können, wenn Worte versagen oder sprachliche Übersetzungen nicht (mehr) zur Verfügung stehen.

Nach zwei Stunden folgt die Wiederholung des Stücks mit dezenten Veränderungen. Obwohl die Zuschauer*innen während der Dauerperformance ein- und ausgehen dürfen, bleibe ich wie viele andere aus dem Publikum bis zum Schluss im Saal, transzendiert, als es bereits dunkel wird und die Stimmen umso mehr hervortreten.