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Texts

21.10.2014

Michaela Preiner, www.european-cultural-news.com

Damn, this is hell!

It is difficult to break free from the disturbing and beguiling enchantment of the evening. That, which just swept past, has so many possible interpretations that there is no ultimate statement and certainly no one true meaning. What Jefta van Dinther creates together with the five dancers yields no linear narrative, but much more. It is a vivid compendium of something dreamt of, something worked out together from an Illusion, which only theater breathtakingly can render in real time. The magical light of Minna Tiikkainnen and the beguiling sound design by David Kiers stand side by side next to the extraordinary choreography. One element being unthinkable without the other in this performance. And it all adds up to a brilliant whole.

Verdammt, das ist die Hölle!

Kohlrabenschwarz ist es um uns herum. Kein Mensch gibt auch nur einen leisen Ton von sich. Wie geht das wohl aus? Wie lang werden wir uns noch in dieser Hölle befinden?

Am 17. Oktober hatte „As It Empties Out“ des belgischen Tänzers und Choreographen Jefta van Dinther Uraufführung im Tanzquartier. Der in Schweden Geborene erhielt seine Asubildung in den Niederlanden, die er 2003 in Amsterdam an der School of the Arts abschloss. In seinen Arbeitsprozess bindet er gerne Menschen ein, die er schon länger kennt und mit denen ihn schon die Erfahrung der Zusammenarbeit verbindet. „Wenn sich alles leert“ – so die deutsche Übersetzung seines Titels – ist ein Stück, welches das Publikum in Bilder und Handlungen entführt, die nicht von dieser Welt zu sein scheinen. Und dennoch erwecken diese Imaginationen Erinnerungen und Assoziationen zu archetypischem Geschehen, das tief in uns einen vertrauten Widerhall findet. Der Choreograf entwickelt dabei ein hochemotionales Tanztheater, das bis zur letzten Minute fesselt. Dabei beginnt alles ganz harmlos.

Tierisch-menschliches Gerangel aus fernen Zeiten

Van Dinther erschien auf der Bühne, und schlendert von der einen Seite zur anderen, das Publikum zeitweise fixierend. In kurzem, blauem Hemd und kurzen Jeans, aber mit mehr als 10 Zentimeter hohen Plateauschuhen sieht er aus wie eine Drag-Queen in legerer Straßenkleidung. Plötzlich beginnt er eine Litanei zu sprechen, die sich lautmalerisch ständig verändert, um schon bald in einen Singsang überzugehen. So moduliert er minutenlang zwischen give yourself und kill yourself bis hin zum verständlichen Satz „I hear your soul“ in einer Art und Weise, dass man meint, er wolle sich in Trance reden. Seine fünf Kolleginnen und Kollegen gesellen sich nach und nach zu ihm und richten ihre Bewegungen ganz nach seinem Sprachgesang aus. Mehr auf dem Boden sitzend und liegend, sich gegenseitig an- und abstoßend erwecken sie den Eindruck, halb Mensch und halb Tier zu sein. Oder zumindest aus einer Zeit zu stammen, in welcher der Übergang vom Tierischen ins Menschliche stattgefunden hatte. Dabei werden Kleidungsstücke gelüftet und für kurze Augenblicke unter die Röcke geschaut. Da schmiegen sich die Körper aneinander, um alsbald wieder voneinander zu flüchten oder in die Flucht geschlagen zu werden. Völlig ermattet schläft van Dinther schließlich sitzend ein und wird von zwei Tänzern hinter den Bühnenvorhang getragen.

Stangentanz einmal anders

Der nächste Teil ist bestimmt vom Spiel und Tanz an der Stange. Aber nicht im Sinne des klassischen Balletts. Ein graues Plastikrohr, das beinahe das Ausmaß der Bühnenbreite hat, wird zum Spielobjekt der Agierenden. Einmal unter sie durch, dann wieder über sie drüber oder als Balancerohr verwendet, darf es ganz im Mittelpunkt des Geschehens stehen. Untermalt wird alles von einer Instrumentalmusik, die, ganz wie van Dinthers Stimme zuvor, sich in endlosen Wiederholungen ergeht ohne jedoch jemals zu langweilen. Am Ende des Spiels bleibt einer der Tänzer mit einem Bein wie verletzt unter dem Rohr liegen. Bis zu jenem Zeitpunkt. an dem sich der schwarze Bühnenvorhang, der bis dahin im vorderen Drittel den Raum abtrennte, Zentimeter für Zentimeter langsam hebt.

Der Blick in die Zukunft

Die Beine der dahinter Tanzenden, die nun eine lange Zeit im Spalt zwischen Vorhang und Bühnenboden sichtbar werden, folgen in keiner Weise dem Gesetz der Schwerkraft. Zwar berühren sie den Boden, aber Halt können die Menschen dabei keinen finden. Dieser eingezwängte Blick auf die unteren Extremitäten, der zu Beginn so verstörend wirkt, verformt die Wahrnehmung im Sekundentakt. Was anfangs Ratlosigkeit auslöst, verkehrt sich, je länger die Szene andauert, in eine sinnenfreudige Augenlust. Erst als die Sicht auf die Agierenden ganz frei wird ist klar, wie diese Illusion der Schwerelosigkeit zustande gekommen war. Die Truppe zerrt mit aller Kraft an Seilen, die etwas mit der Erde verbinden, was aber nie sichtbar wird. Ein Objekt, das viel zu hoch über der Saaldecke angesiedelt ist, sich außerhalb des Gebäudes befinden muss. Die Beleuchtung, die zu sehen ist, und die spacigen Töne, die dabei zu hören sind, erinnern an Science-fiction-Filmszenen. Ist es ein Riesenballon, ein Raumschiff, ein Monster, eine extraterrestrische Bedrohung, die hier mit aller Macht gebändigt werden muss? Die Anstrengung, die die Menschen unternehmen, um selbst nicht in die Lüfte gezogen zu werden und ihr Arbeitseinsatz dauert an, bis einer nach dem anderen ermüdet einschläft.

Verdammt, das ist die Hölle

Abermals wechselt die Szenerie. Scharrende, glucksende Geräusche markieren den Beginn einer Sounduntermalung, in der schließlich ein Flattern und Stampfen immer lauter wird. Die Bühne versinkt in tiefes Schwarz und wird ganz unmerklich am rechten Rand nur durch ein kleines, rotes Licht erhellt. In diesem kann man die Bewegungen eines Menschen erkennen. Bewegungen, die jedoch nichts Menschliches an sich haben, sondern Bewegungen, die in ihrem ununterbrochen wiederkehrenden Ablauf Maschinen ähneln. Von rechts nach links von links nach rechts wird der Rumpf bewegt, immer und immer wieder. Die Arme dabei einmal an den Körper geschmiegt, dann wieder hoch aufgerichtet. Bald wird eine zweite Gestalt schemenhaft sichtbar, ebenfalls in diffuses, rotes Licht getaucht. Schwer zu fokussieren, mit aufgelösten Umrissen, nur völlig unscharf wahrzunehmen. Und plötzlich ist es da, das Gefühl und die Erkenntnis: Verdammt, das ist die Hölle! Dantes Inferno drängt sich als historischer Vergleich auf. Aber auch die Qualen des Sisyphus. Denn die nach und nach sichtbar Gewordenen befinden sich alle in einem Dauerzustand der Bewegung. In einem Getriebensein ohne Unterlass, begleitet von einer höllischen Lautuntermalung. So bedrückend die Szenerie wirkt, man kann doch keinen Augenblick von ihr lassen. Das Stampfen, das die Handlung unaufhörlich begleitet, nimmt konstant zu. Die Traumsequenz dauert an und dauert an und dauert an. Und die Frage: Wie geht das wohl aus? stellt sich irgendwann zwingend.

Am schlimmsten sind jene Momente, in welchen die Maschinenmenschen innehalten und sich langsamen Schrittes von ihrem Platz bewegen, stehen bleiben, um wieder mit ihren Bewegungen in den Maschinentakt eingezwängt zu werden. Das kurzfristige Wissen um die eigene verdammte Existenz, das zwischen den ewig gleichbleibenden Bewegungsmustern hier aufblitzt ist das, was so extrem berührt.Van Dinther schafft es, die körperliche Anstrengung, welcher die Tanzenden dabei ausgesetzt sind, über den Bühnenrand hin zu den Zuseherinnen und Zusehern zu transportieren. Man hat das Bedürfnis Luft zu holen, mit dem eigenen Körper aus der Wiederholungsmaschinerie auszubrechen, sich zu schütteln und aufzustehen. Dennoch gibt es noch eine Steigerung des Grauens bis hin zu jenem Augenblick, in dem sich einer nach dem anderen zum Publikum wendet, bis alle geschlossen auf dieses zugehen. Am Spannungshöhepunkt verebbt die Geräuschkulisse und so unvermutet, wie die einzelnen Gestalten auftauchten, driften sie jetzt wieder ins Dunkel ab. Schaffen Platz einer enigmatischen Frau, die plötzlich aus dem Nichts ganz vorne, mittig, ganz nah am Boden beim Publikum sitzt. Sie formt das Bild einer Augurin in einem ausufernden Pelzmantel mit roten Haaren und einer brüchigen Stimme. Ins Dunkel der Bühne eingebettet, erweckt ein schwacher Lichtschein im hinteren Bühnenteil den Eindruck eines figürlichen Widerhalles. Platons Höhlengleichnis drängt sich auf, während die Gestalt, beinahe unbeweglich, über das Arbeiten mit einer Gruppe am Theater schwadroniert. So wie sich zuvor der Bühnenvorhang fast unmerklich hob, so rückt die Frau nun Zentimeter für Zentimeter in den Bühnenraum nach hinten. Fließend, fast unbemerkt geht jene Bewegung vor sich. Bis man realisiert hat, dass das Wesen langsam verschwindet. Mit der Zunahme der Entfernung zum Publikum beginnt sich seine Stimme immer stärker zu verzerren, bis schließlich sowohl die Augen als auch die Ohren dieses mystische Etwas verlieren.

Erst die Rückschau ergibt ein Ganzes

Es fällt schwer, sich aus der verstörenden und betörenden Verzauberung dieses Abends zu lösen. Das, was gerade an einem vorbeigezogen ist, hat so viele Interpretationsansätze, dass es keine letztgültige Aussage und schon gar keine einzig wahre Deutung gibt. Was Jefta van Dinther hier mit seinen fünf Tänzerinnen und Tänzern schuf, ergibt keine lineare Erzählung, sondern viel mehr. Es ist ein lebendig gewordenes Kompendium aus Geträumtem, gemeinsam Erarbeitetem, aus einer Illusion, wie sie nur das Theater atemberaubend in Echtzeit bereithalten kann. Das magische Licht von Minna Tiikkainnen und das betörende Sounddesign von David Kiers stehen in ihrer Qualität völlig gleichberechtigt neben der außergewöhnlichen Choreografie. Das eine ist ohne das andere in dieser Aufführung nicht denkbar. Und alles zusammen ergibt ein fulminantes Ganzes.

Die Koproduktion des Tanzquartiers Wien mit einer Reihe von Tanzveranstaltern in Europa ist mehr als gerechtfertigt und wohl auch Garantie dafür, dass möglichst viele Menschen diesen Abend noch sehen werden. Sehen dürfen. Sehen sollen. und immer wieder. Die Arme dabei einmal an den Körper geschmiegt, dann wieder hoch aufgerichtet. Bald wird eine zweite Gestalt schemenhaft sichtbar, ebenfalls in diffuses, rotes Licht getaucht. Schwer zu fokussieren, mit aufgelösten Umrissen, nur völlig unscharf wahrzunehmen. Und plötzlich ist es da, das Gefühl und die Erkenntnis: Verdammt, das ist die Hölle! Dantes Inferno drängt sich als historischer Vergleich auf. Aber auch die Qualen des Sisyphus. Denn die nach und nach sichtbar Gewordenen befinden sich alle in einem Dauerzustand der Bewegung. In einem Getriebensein ohne Unterlass, begleitet von einer höllischen Lautuntermalung. So bedrückend die Szenerie wirkt, man kann doch keinen Augenblick von ihr lassen. Das Stampfen, das die Handlung unaufhörlich begleitet, nimmt konstant zu. Die Traumsequenz dauert an und dauert an und dauert an. Und die Frage: Wie geht das wohl aus? stellt sich irgendwann zwingend.

Am schlimmsten sind jene Momente, in welchen die Maschinenmenschen innehalten und sich langsamen Schrittes von ihrem Platz bewegen, stehen bleiben, um wieder mit ihren Bewegungen in den Maschinentakt eingezwängt zu werden. Das kurzfristige Wissen um die eigene verdammte Existenz, das zwischen den ewig gleichbleibenden Bewegungsmustern hier aufblitzt ist das, was so extrem berührt.Van Dinther schafft es, die körperliche Anstrengung, welcher die Tanzenden dabei ausgesetzt sind, über den Bühnenrand hin zu den Zuseherinnen und Zusehern zu transportieren. Man hat das Bedürfnis Luft zu holen, mit dem eigenen Körper aus der Wiederholungsmaschinerie auszubrechen, sich zu schütteln und aufzustehen. Dennoch gibt es noch eine Steigerung des Grauens bis hin zu jenem Augenblick, in dem sich einer nach dem anderen zum Publikum wendet, bis alle geschlossen auf dieses zugehen. Am Spannungshöhepunkt verebbt die Geräuschkulisse und so unvermutet, wie die einzelnen Gestalten auftauchten, driften sie jetzt wieder ins Dunkel ab. Schaffen Platz einer enigmatischen Frau, die plötzlich aus dem Nichts ganz vorne, mittig, ganz nah am Boden beim Publikum sitzt. Sie formt das Bild einer Augurin in einem ausufernden Pelzmantel mit roten Haaren und einer brüchigen Stimme. Ins Dunkel der Bühne eingebettet, erweckt ein schwacher Lichtschein im hinteren Bühnenteil den Eindruck eines figürlichen Widerhalles. Platons Höhlengleichnis drängt sich auf, während die Gestalt, beinahe unbeweglich, über das Arbeiten mit einer Gruppe am Theater schwadroniert. So wie sich zuvor der Bühnenvorhang fast unmerklich hob, so rückt die Frau nun Zentimeter für Zentimeter in den Bühnenraum nach hinten. Fließend, fast unbemerkt geht jene Bewegung vor sich. Bis man realisiert hat, dass das Wesen langsam verschwindet. Mit der Zunahme der Entfernung zum Publikum beginnt sich seine Stimme immer stärker zu verzerren, bis schließlich sowohl die Augen als auch die Ohren dieses mystische Etwas verlieren.

Erst die Rückschau ergibt ein Ganzes

Es fällt schwer, sich aus der verstörenden und betörenden Verzauberung dieses Abends zu lösen. Das, was gerade an einem vorbeigezogen ist, hat so viele Interpretationsansätze, dass es keine letztgültige Aussage und schon gar keine einzig wahre Deutung gibt. Was Jefta van Dinther hier mit seinen fünf Tänzerinnen und Tänzern schuf, ergibt keine lineare Erzählung, sondern viel mehr. Es ist ein lebendig gewordenes Kompendium aus Geträumtem, gemeinsam Erarbeitetem, aus einer Illusion, wie sie nur das Theater atemberaubend in Echtzeit bereithalten kann. Das magische Licht von Minna Tiikkainnen und das betörende Sounddesign von David Kiers stehen in ihrer Qualität völlig gleichberechtigt neben der außergewöhnlichen Choreografie. Das eine ist ohne das andere in dieser Aufführung nicht denkbar. Und alles zusammen ergibt ein fulminantes Ganzes.

Die Koproduktion des Tanzquartiers Wien mit einer Reihe von Tanzveranstaltern in Europa ist mehr als gerechtfertigt und wohl auch Garantie dafür, dass möglichst viele Menschen diesen Abend noch sehen werden. Sehen dürfen. Sehen sollen.

25.10.2014

Frank Schmid, kulturradio

HAU 2: "As it empties out"

Diese Choreografie ist eine für Jefta van Dinther typische Produktion mit einer ganz außerordentliche Szene, die das Publikum zum Jubeln verführt haben dürfte. Dieses As it empties out ist eine für Jefta van Dinther typische Produktion und hat diese eine ganz außerordentliche Szene und diese dürfte das Publikum zum Jubeln verführt haben.

Der Choreograf Jefta van Dinther gilt als Ausnahmeescheinung der europäischen Tanzszene. Seine Choreografien sorgen regelmäßig für Furore, für Begeisterung und Ablehnung. So war es auch Ende August, als er beim Internationalen Tanzfest Berlin mit dem schwedischen Cullberg Ballett zu Gast war. Gestern nun hatte sein jüngstes Stück Premiere im Hebbel am Ufer: As it empties out.

Magie der Verwandlung und Auflösung</b> Eine Choreografie, mit der er seine derzeitige Einmaligkeit bestätigt. Sie ist außergewöhnlich und extremistisch exzentrisch, sie führt zu Irritationen der Sinne, zu Bewusstseins-Schwankungen und zu Trance-Zuständen.

Jefta van Dinther glaubt an die gute alte Magie des Theaters, an Geheimnis und Verwandlung, sogar an die Möglichkeit der Auflösung von Körper, Raum und Zeit und er nutzt dafür die Mittel des Theaters: Sound, Licht, Objekte, Körper und die Erkenntnisse der Wahrnehmungspsychologie. Er überfordert die Sinne der Zuschauer mithilfe optischer Täuschungen und meditativer Techniken in Musik e optischer Täuschungen und meditativer Techniken in Musik und Körpersprache. In der beeindruckendsten Szene scheinen die Körper der Tänzer tatsächlich zu verschwinden, man meint nur noch Lichteffekte, Energieströme zu sehen

Monotonie und Auflösungserscheinungen In dieser Szene ist die Bühne ist vollkommen dunkel und nach und nach schieben sich fünf Tänzer in dieses schwarze Loch. Ihre Oberkörper werden mit diffusem rotem Licht angestrahlt, die Beine sieht man nicht, ab der Hüfte abwärts scheint es nichts zu geben, nur die Oberkörper schweben und schwingen. Sie bewegen sich monoton und sehr schnell hin und her, von rechts nach links und wieder zurück, die Köpfe schwingen mit, hin und her. Die Arme sind entweder vor der Brust verschränkt oder fliegen wellenförmig nach oben. Eine ekstatische Monotonie begleitet maschinenhaft stampfender, klingender, wummernder Musik.

Durch die Lichteffekte und die schnellen Bewegungen erscheinen Oberkörper, Arme, Köpfe nicht mehr als das, was sie sind, man verliert zunehmend das Gefühl für den Raum und irgendwann auch das Gefühl für die Zeit – ob diese Szene 20 oder 40 Minuten dauert oder länger, ist nicht zu sagen.

Irritierende Wahrnehmungstäuschungen

Das wirkt faszinierend und irritierend. Jefta van Dinther erzeugt Täuschungen unserer Wahrnehmung, entzieht uns die Orientierung in Raum und Zeit. Die Koordinaten, mit denen wir uns verorten, zerfließen und diese Erfahrung der Auflösung ist wie in Meditations- oder Trance-Zuständen angenehm und verwirrend und beunruhigend zugleich.

Das sind zwar im Prinzip nur simple Licht- und Musik-Effekte in Verbindung mit einer äußerst simplen physischen Dynamik, aber die Wirkung dieser Szene ist überwältigend. Zum Glück muss man sagen, denn bis dahin entsprach die Choreografie eher dem bei Jefta van Dinther Üblichen und Erwartbaren.

Kreatürliche Zustände und Synästhesie

Jefta van Dinther, jetzt Mitte 30, in Stockholm und Berlin zu Hause, er steht für einen sehr physischen, brachialen Entäußerungs-Stil. So wie in den Anfangs-Szenen dieser Choreografie winden sich die Körper seiner Tänzer, zucken, beben, kriechen, wühlen in kreatürlichen Zuständen, als wären sie außer sich. Das sind Zustände scheinbar jenseits jeder Kontrolle, auch jenseits von Anmut und Virtuosität.

Auch in früheren Stücken hat er bereits mit Synästhesie gearbeitet, der Verbindung mehrerer Sinnes- und Wahrnehmungseindrücke. Etwa in Grind von 2012, wo auch die Bühne komplett dunkel war, eine technoide Musik gespielt wurde und Stroboskoplicht und das Schleudern von Leuchtstäben und das Herumwirbeln eines Kabels mit einer Glühbirne am Ende für komplette Verwirrung vor allem des Sehens gesorgt haben. Mit seinen beiden Licht- und Sounddesignern arbeitet er schon seit Jahren zusammen.

Extensions und Klaustrophobie und Befreiungsakte

In Grind und in Plateau Effect, dem Stück mit dem Cullberg Ballett, das im August beim Tanzfest zu sehen war und auch in diesem Stück verwendet er Seile, lange Rohre als Extensions, also Verlängerungen des Körpers. Diese befreien den Körper aus seinen Grenzen, lassen ihn in den Raum wachsen und dominieren, bedingen zugleich die Bewegungen. Hier zerren und ziehen die Tänzer an ihren Seilen und man sieht nicht, woran die Seile befestigt sind, also woran sie festhängen und warum sie nicht loslassen.

In einem der frühesten Stücke It’s in the Air von 2008 gemeinsam mit Mette Ingvartsen sind beide eine dreiviertel Stunde lang auf zwei Trampolins gehüpft. Was simpel und langweilig klingt, war ein Experiment zu der Frage, welche freien Gestaltungsmöglichkeiten ein Körper überhaupt noch hat, wenn die Rahmenbedingungen extrem begrenzt sind.

Um derartige Grenzerlebnisse, um Befreiungsakte, um die Suche nach Möglichkeitsräumen in scheinbar unveränderlichen, festgefügten Systemen geht es bei ihm sehr oft. Vielleicht ist dieser Freiheitsdrang sogar der Wesenskern seiner Arbeit, vielleicht entwirft er deshalb immer so alptraumhafte, klaustrophobische Welten, die seine Choreografien so packend und belästigend zugleich machen.

Dieses As it empties out ist eine für Jefta van Dinther typische Produktion und hat diese eine ganz außerordentliche Szene und diese dürfte das Publikum zum Jubeln verführt haben.

22.11.2014

Moos van den Broek, Theaterkrant

Hallucinatory and disruptive play with perspectives

You can definitely call the most recent work of the young Swedish-Dutch choreographer surrealistic. A sophistcated concept of movement, light and sound guides the spectator through a landscape of dark images. His performances are far from cheerful, although they do have a libertating effect. After the nightmare one indeed awakens relieved.

As It Empties Out is a trip, a dark dream, a delirium; the performance is centered around confusion and a play with time, expectation and perspective. At the end everything comes together in a beautiful solo by the dancer Linda Adami, who again sums up the notion of theatre in a surprising way.

Hallucinerend en ontregelend spel met perspectieven

Surrealistisch kun je het laatste werk van de jonge Zweeds-Nederlandse choreograaf Jefta van Dinther gerust noemen. Een uitgekiend concept van beweging, licht en geluid leidt de kijker door een landschap van duistere beelden. Vrolijk zijn de voorstellingen van Van Dinther allerminst, al hebben ze wel een bevrijdende werking. Na een nachtmerrie is het immers opgelucht ontwaken.

Pompende, zintuigelijke, rituele beweging kenmerkt de bewegingstaal van Jefta van Dinther, een choreograaf die zijn opleiding genoot aan de Amsterdamse Theaterschool. Maar zoals veel internationaal georiënteerde choreografen verhuisde hij nog niet zo lang geleden naar het buitenland, Berlijn en Stockholm om precies te zijn. Jammer voor Nederland, Van Dinther vertrok op een moment dat hij internationaal doorbrak.

As it empties out begint met een merkwaardig optreden van een kleine, tengere, bebaarde verschijning in korte spijkerbroek (Roger Sala Reyner). Aan zijn voeten draagt deze vreemde man grote zwarte schoenen met verdikte zolen, zijn ogen – afgedekt met donkere lenzen – lijken lege holle gaten. In de kleine ruimte voor het gordijn verhaspelt hij zijn zinnen die langzaam in een repetitief gezang transformeren; ‘give yourself’ wordt ‘kill yourself’ wordt ‘cure yourself’. Dan verschijnen verschillende dansers vanachter het gordijn. Ze buitelen over elkaar heen, een innige omhelzing kan evengoed een dodelijke strop zijn. Hun bewegingen zijn vluchtig en geladen met emotie.

In een volgend beeld stoeien de dansers met een meterslange PVC-buis, die onder het gordijn vandaan is gekomen. Hoe dwingend de soundscape van componist David Kiers is, wordt dan duidelijk. Een beladen en opzwepende techno-sound maakt van elke actie een heldhaftige daad en roept een stemming op van euforie. Begrippen als overdaad en verzadiging sluipen de choreografie binnen, maar niets wordt benadrukt. Vooral de ervaring staat centraal. Als een trotse krijger staat de zwaar bezwete Thiago Granata met de buis in de lucht. Dan schuift het gordijn traag omhoog, transformeert het beeld en ontstaat een tafereel waarbij vijf dansers ieder aan een touw, dat uit het grit komt, trekken. Terwijl de vijf verwachtingsvol omhoog kijken naar iets wat nooit verschijnt werkt de soundscape naar een climax toe.

Sinds zijn solo Grind (2011), een werk dat nog altijd toert en waar dit nieuwe groepswerk duidelijk op geënt is, wordt het werk van Jefta van Dinther gretig ondersteund door het internationale danscircuit. Vorig jaar nog creëerde hij bij het gerenommeerde Cullberg Ballet in Stockholm de succesvolle grotezaalproductie Plateau Effect. Van Dinther blijft als gastchoreograaf verbonden aan het gezelschap, ook nu het sinds kort wordt geleid door Gabriel Smeets (voormalig artistiek leider van de School voor Nieuwe Dansontwikkeling in Amsterdam).

Maar los van Cullberg produceert Van Dinther ook zelfstandig met ondersteuning van huizen als Tanzquartier in Wenen, HAU in Berlijn en BUDA in Kortrijk. Maar hij werkt niet alleen, naast componist David Kiers maakt ook de Fins-Nederlandse lichtontwerpster en scenografe Minna Tiikkainnen deel uit van het artistieke team. Met de twee onderzoekt Van Dinther voortdurend de mogelijkheden van de black box. Het is een vruchtbare samenwerking, die leidt tot de overweldigende en hallucinerende atmosfeer die As it empties out domineert.

Een rood licht zet de lichamen van de dansers in een uitgekiend perspectief, dat aan de haal gaat met de machinale, ritmische herhaling van hun bovenlichamen. De scène houdt eindeloos lang aan. Soms is Van Dinthers werk net zo zintuiglijk, ritueel en surrealistisch als de Japanse Butoh; vooral in dit laatste werk waarin zijn beelden meer transformatie en contrast kennen dan in eerdere voorstellingen. As it empties out is als een trip, een donkere droom, een delirium; alles draait om de ontregeling en het spel met tijd, verwachting en perspectief. Uiteindelijk komt alles bij elkaar in een prachtige solo van danseres Linda Adami, die het begrip theater nog eens op verrassende wijze samenvat.

06.12.2014

Anna Ångström, Svenska Dagbladet

Jefta van Dinther’s ungraspable world is a suggestive mirror of our contemporaneity

Scene by scene slowly empties out by that which we relate to as "meaning". Bodies end up in coma, hovering or dissolving. An ungraspability that could be seen as a mirror of our contemporaneity... Jefta van Dinther is subjective and bold, he dissolves the boundary between external and internal impressions and creates a devouring scenic hole.

Jefta van Dinthers svårgripbara värld en suggestiv spegel av vår samtid

För tre år sedan hade jag en omskakande upplevelse i källaren hos Weld. Där visade koreografen och dansaren Jefta van Dinther solot ”Grind”, en mörkeromsvävad och fysisk ritual som satte orienteringsförmågan i gungning. Känslan återkommer – om än inte lika stark – i det senaste, betydligt större verket ”As it empties out”. I en lång sekvens vilar hela salongen i beckmörker. På avstånd syns vagt en gestalt vrida sig ryckigt i rött ljus, likt en fladdrande låga. En figur tillkommer, de förökar sig och försvinner. Det är som att vara mitt i en dröm med fantomer.

”As it empties out” är som ett kompilat av svensk-holländaren Jefta van Dinthers koreografiska forskningsfält. Tillsammans med sitt team David Kiers (ljud) och Minna Tiikkainen (ljus) samt konstnärsduon Simka (scenografi) utmanar han vår perception och skapar suggestive betydelseglidningar till technoklanger. Ofta är konkreta objekt del av det fysiska uttrycket, som i lekfulla ”The blanket dance” eller i ”Plateau effect” för Cullbergbaletten där ett segel blev en kropp som dansarna hanterade i ett frenetiskt flöde.

I ”As it empties out” förekommer ett långt rör och en samling rep som försvinner upp mot något vi inte ser. Dansarnas dragkamp med denna osynliga kraft blir en koreografi av förskjutna tyngdpunkter. Samtidigt finns ett mysterium här - liksom i flera av van Dithers verk. Scen efter scen töms långsamt på det vi relaterar till som ”mening”. Kroppar hamnar i koma, svävar eller löses upp. Det svårgreppbara kunde vara en spegel av vår samtid.

I inledningen irrar Roger Sala Reyner över scenen och maler fraser som gäckar varje försök till sammanhang: ”give your self, cure our soul, I be your soul...” Munnen blir en muskel som producerar ljud medan dansarnas förvrängda rörelser ibland påminner om avancerat förspel, för att därpå tappa riktning.

Slutets mimscen till en skådespelares röst som ödesmättat skildrar hur hon kan glida in i huvudet på en människa hon inte trodde sig kunna förstå, är möjligen övertydlig i sammanhanget. Men ”As it empties out” innehåller många spännande moment. Jefta van Dinther är subjektiv och djärv, han löser upp gränsen mellan yttre och inre intryck och skapar ett sceniskt slukhål.

09.12.2014

Örjan Abrahamsson, Dagens Nyheter

Svävande resa mellan vakenhet och sömn

Så var det äntligen dags för Jefta van Dinthers nya, efterlängtade koreografi ”As it empties out” som hade urpremiär i Wien i september. Nu i ett kort gästspel på Dansens hus.

”As it empties out” är en stram, men gåtfull resa med sex dansare. En expedition in i mörkret som bokstavligen når fram till mörkrets pulserande röda hjärta. Mycket är välbekant för den som följt svenskholländarens raska, krea¬tiva koreografiska utveckling i perceptionens gränsland under bara en handfull år.

<Stycket ligger helt i linje med hans tidigare, gärna monomana, oerhört konsekventa och dramaturgiskt sammanhållna verk. Men ”As it empties out” är mindre omedelbart betagande än fjolårets succé, ”Plateau effect” med Cullbergbaletten som blev Jefta van Dinthers stora internationella genombrott.

Upptakten överraskar. Roger Sala Reyners i absurt höga platåskor mässar orden ”Give yourself” och via rytmiska ljudassociationer förändras mantrat från ”Kill yourself” till verbala obegripligheter. Det är långt, och långrandigt, men ett slags schamanistisk ritual som bäddar för den kommande rörelse¬resan.

De fem övriga dansarna kryper fram under ridån i scenens framkant. Dansarna rör sig som livlösa, deformerade skulpturer. De tycks befinna sig i ett magnetfält där de ömsom attraheras, ömsom repelleras av varandra. Det är sällsamt, en smula groteskt, bisarrt.

Halvvägs genom föreställningen blir det plötsligt mörkt på scenen. Totalmörkt. Under evighetslånga minuter. Gradvis anas en svag, men intensiv röd ton i allt det kolsvarta. Gradvis inser man att det är en torso som rör sig, maniskt fram och tillbaka med robotlik precision. Så tänds och släcks andra röda fläckar – andra torsos, andra kroppar. Alla svävar ofattbart över golvet.

Det är dunkel, anslående vacker, en fascinerande lek med vår perception. Samtidigt är det så monomant subtilt att man antingen vaggas till sömns eller till eufori.

För den exceptionellt suveräna ljussättningen står återigen Minna Tiikkainen, som i likhet med musikern David Kiers tillhör Jefta van Dinthers långväga, innovativa samarbetspartners.

”As it empties out”</b> påminner om den rejält monomana ”This is concrete” (2013), men är mer tillgänglig, likväl utmanande. Framför allt gläds jag åt att en av Europas mest innovativa koreografer fortsätter att utforska perceptionen med rörelsen som självklart fundament.

Verket fångar det där glidande ögonblicket mellan vakenhet och sömn, där sinnevärlden och vårt gäckande medvetande flyter samman med det omedvetna. Och det där fängslande och skrämmande halvdrömmande blir en låt vara illusorisk realitet. Där hjärtat likväl alltid skälver av liv.

05.12.2015

Margareta Sörensson, Expressen

Mörkerseende

Vad är det för ett land? Vad är det för en värld? Som i drömmen tycker man sig se människor komma fram ur intet och strax försvinna samma väg. Jag stirrar in i mörkret i As it Empties Out. I det svartaste av mörker börjar rödbelysta figurer skönjas, matt antydda närmar de sig, som om de svävade fritt. Vad är det? Vad gör de?

Den här utfärden tar bara en timme, men den har flera stationer. En man som förvränger alla ord till svårtydda ljud. Dansare som med hjälp av linor kan gå lutande, som om de höll en stor flygande drake. En ryckdans som pågår och pågår i ett slags fönster i ridån som skapar halvbild av kropparna.

Främmande, men man kan känna igen sig i Jefta van Dinthers verk. Den långa plastslangen minner om Blanket, med sin långa tygorm. Mörkerexperimenten som i Grind. Linor och tyger som i Plateau Effect, den stora koreografi för Cullbergbaletten som nu reser runt i världen. Eller som i koreografin för Robyns och Röyksopps vackra musikvideo Monument: svävande – utåt i rymden eller inåt i kroppens celler. Som ett mantra, nästan, brukar Jefta van Dinther säga: jag gillar det jag inte förstår själv.

Lika lite förstår betraktaren, men något nuddar ordlöst bildsatt vid minnen, drömskärvor och tankevärldar. Han fortsätter modernismens långa resa så som den fortskridit under 1900-talet: kropp, rum och bild, material, tekniska nyvinningar. Alltså: t-shirts-kroppar i dunkla rum, tyg och linor, päls och hår, ljus- och ljuddesign som ackompanjerar elektroniskt, tungt, tyst, melodiskt.

Det är märkligt och intressant, fängslande och besynnerligt. Och egendomligt bekant mitt i det vaga känslan av hur svåravläst tillvaron är. Underligt är det inte att Jefta van Dinthers verk slår världens danspublik med häpnad. I det oetiketterade konstliv vi befinner oss nu, post-något och pre-något-annat, tycks det mjuka, mänskliga dunklet i As it Empties Out beskriva en omorientering och förnyelse man gärna stannar och sjunker in i.

04.07.2015

Freely translated from Mirjam Van Der Linden, de Volkskrant

Hallucinatory dance in sensorial story

We have been watching a trip of an actor/actress, to the enormous mental and physical

agility of someone who crawls in the head of another to also become the body of that

other. This transformation becomes here a dark, lonely, almost frightening experience.

As it empties out (2014) by choreographer Jefta van Dinther, who after a dance study in

the Netherlands is now active in Sweden and Berlin, is a succession of magnificent

images that crush any logical sense of time, space and reality. The long-legged man who

opens the piece, runs on thick platform shoes reminiscent of buskins, the ancient Greek

theater shoes. With a blank, dazed look, he looks at us, while from his mouth gulps a blur

of black poetry. Give yourself, kill your soul, cure your soul, you're your soul, et cetera. A

woman, so overexposed that she seems to have no legs, a pile of faded glory dressed in

fur, closes the pieces with a monologue about theatre.

Between those anchor points we travel through a dark surreal landscape in which six

men and women emerge and disappear as pieces of memory. And not so much

memories of concrete situations, but of feelings, moods, energies, remnants of roles once

played. Van Dinther's 'story' is mainly sensorial, also thanks to the disquieting electronic

music and cinematic lighting.

Couples touch each other with emotions that shift as capriciously as the gabble of the

buskins man. When lifting a huge PVC pipe and hanging on ropes it is about bracing

oneself against an unknown suction force rather than about mere force or balance.

Against that other, a desire, the sun? And then the body dissolves almost, the rapidly

rotating torso reduced to a swirling light spot, a sensation of a form.

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